整个艺术史上，花卉一直是画家最钟爱的主题之一。长久以来，鲜艳的花朵一直为艺术家提供灵感，许多人致力于创作 各种植物美的静物画。从17世纪的荷兰静物画到日本的木刻版画，花卉艺术有着悠久的历史。
无论是画在花瓶中玫瑰、鸢尾花还是牡丹，还是直接在大自然中写生，每位艺术家都将自己独特的风格带到创作中。实际上，只要回顾浏览一段时间内的花朵画，就可以追溯艺术史的进程。即使您对艺术史不是特别感兴趣，但无论它来自哪个时代，都无法否认花卉画具有强大的魅力。花朵可以唤起人们的喜悦、希望甚至是忧郁感。有一些原因使有些无非是花朵的绘画在过去过年依然能引起共鸣。
这些著名的花卉画提醒人们必须关注大自然，而一些最好的灵感来自您在家门口就可以找到的东西。每看看过去500年来创作的一些最令人难忘的花卉画，您可能会被启发去开始绘制自己的花朵。
Ambrosius Bosschaert的《静物与花》（1617）
信不信由你，静物画曾经被认为是一种次要的艺术形式，因为精英们偏爱宗教和历史绘画。在16世纪和17世纪，这种情况开始慢慢改变，荷兰人一路领先。安特卫普市尤其重要，因为这里的艺术家开始绘画大尺寸的静物画，其中经常以花朵为特色。 Ambrosius Bosschaert 是一位荷兰静物画家，以热爱花束画而闻名。对花朵的热爱在他的家庭中得到传承，以至于他的三个儿子后来都成为花朵画家。Bosschaert的花卉画对称地显示了花朵，他是最早着重花束的画家之一。显然，他的作品激发了一种在整个艺术史上持续存在的趋势。
玻璃花瓶中的花朵，Rachel Ruysch（1700）
雷切尔·鲁伊斯（Rachel Ruysch） 不仅是荷兰黄金时代最著名的女画家，而且将花卉绘画提升到另一个层次。她创造了自己的风格，拥有60年的职业绘画植物的经历。她打破了传统，并用画的花束创造了不对称的构图，从而使艺术品更具动感。同时，每个花瓣都非常细致，她创作出色彩鲜艳的花朵的诀窍使她超越了当时其他的花卉画家。
约翰·康斯特布尔（John Constable）的玻璃花瓶中的花朵（约1814年）
英国浪漫主义画家约翰·康斯特勃（John Constable）以他的山水画而闻名，这些山水画灵感来源于他家附近的区域。但是当康斯特布尔（Constable）练习艺术时，花卉绘画已成为艺术传统中根深蒂固的一部分。像之前和之后的许多著名艺术家一样，他涉猎了许多不同的流派，包括静物画。他的《玻璃瓶总的花朵》现在属于维多利亚和阿尔伯特博物馆。黑暗、柔和的调色板与花朵上的红色和黄色调相平衡，而Constable则通过明暗对比创造戏剧效果。
芙蓉（约1845年）
花朵在日本文化中具有重要的历史意义，无论是用来制作华丽的插画还是用于木刻版画，浮世绘大师广重弘（Hiroshige）对芙蓉花的描绘令人振奋，因为其大胆的橙色从书页上跳了下来。根据鲜花的日语（也称为 hanakotoba），芙蓉这个词的意思是“温柔”。这些鲜花是一种社会习俗，旨在迎接游客。广重（Hiroshige）的1845年 芙蓉（Hibiscus） 是他多次在彩色木刻版画中描绘出花朵的方式之一。有时他包括与芙蓉互动的鸟类。同时，在许多情况下，他用植物布满了整个作品。
爱德华·马奈（1882）的花束
有影响力的画家爱德华·马奈（Edouard Manet）是花朵的爱好者，经常绘画。打破传统，他不仅在花瓶上画了花束，而且还散落在桌上的花朵。他自由，动态的笔触使他成为写实主义和印象派之间的关键人物，使他的画花有一种诱人的短暂感觉。花画对马奈特非常重要，以至于在他生命的最后六个月里，他只画了花卉静物。马奈特（Manet）经常将这些画作小礼物送给朋友。
Henri Fantin-Latour的《玫瑰与百合》（1888）
法国画家亨利·范汀·拉图尔（Henri Fantin-Latour）擅长绘画花朵，在印象派势头强劲的时代，他对作品采取了保守的态度。他的现实主义绘画表现出他作为艺术大师的奉献精神，因为他通过在卢浮宫复制绘画来完善自己的工艺。他展示了出色的色彩运用，通过玫瑰花瓣的粉红色调来表现描绘浪漫主义色彩，与木桌上的深褐色形成柔和的对比。
静物与鸢尾花，文森特·梵高（1890）
文森特·梵高有许多著名的花卉画可供选择，包括他著名的《 向日葵》系列。但是我们更喜欢《静物与鸢尾花》，着重强调了艺术家有趣的色彩运用。在他还是圣雷米（San-Rémy）精神病医院的病人时画，这种静物在运用大胆、对比鲜明的色彩方面非常出色。这幅画是两个版本之一。一个现在正大都会艺术博物馆中的作品，在以如今褪色的粉红色背景进行了绘画，意在营造一种“柔和和谐”的氛围。相反，梵高对此版本有不同的意图，他在写给弟弟西奥的信中，另一束紫罗兰色（从胭脂红到纯普鲁士蓝）在柚子的背景下显得格外醒目，花瓶和其支座上还带有其他黄色调，因此产生了截然不同的互补作用，使每个互补作用都得到加强并列。
Pierre-Auguste Renoir 的玫瑰花束（约1890年-1900年）
雷诺阿的玫瑰花束是一种感性的油画，印象派大师用茂密、丰满的玫瑰花蕾填充框架，以各种鲜艳的红色和粉色调渲染。雷诺阿是另一位在职业生涯后期转向花卉绘画的画家，经常画玫瑰，其中多数是红色的玫瑰。雷诺阿（Renoir）在他的一生中，雷诺阿（Renoir）的艺术更加自由，他只是想唤起物体的感觉，而不是专注于细节。这使他能够创作出具有油画质感并从画布上散发出来的能量的花卉画。
古斯塔夫·克里姆特的花卉园（1905）
古斯塔夫·克里姆特（Gustav Klimt）在利兹伯格（Litzlberg）盛夏时所见的风景吸引着他，他的花卉描绘景象集是他黄金时期的代表作品。 花卉园（ Bauerngarten）被视为克里姆特（Klimt）最好的风景之一。该作品于2017年在拍卖会上以5930万美元的价格售出，在不依靠现实主义的情况下彰显了花园的乡村魅力。苏富比拍卖目录通过完美的陈述地总结了其优良品质，“这种非凡的景观植根于自然界，但同时又达到了象征性的前卫装饰。正是这种自然美与和谐规律的综合，赋予了作品深刻的动感。”
睡莲（Claude Monet）克劳德•莫奈（1908）
没有克劳德•莫奈的《睡莲》这将不是一个合格的花卉画清单。莫奈（Monet）非常热衷于该系列作品，以至于他确保在吉维尼的私人花园始终处于最佳状态，以便为他提供所需的灵感。莫奈在他生命的最后30年里为该系列绘画了200多幅作品，而他松散的笔触常常使构图抽象。最重要的是，他从未将精力放在将精致的睡莲的精神带入生活中，使其呈现出丰富的色彩，并在不同类型的光线下展现其美丽。
孤挺的花 Piet Mondrian（1910）
彼得·蒙德里安（Piet Mondrian）是荷兰人，源于悠久的花卉艺术文化传统。但是他并不害怕将自己的当代风格带入他的静物画中。这种早期的静物，朱顶红，说到以及前蒙德里安的最知名的抽象画，这是植根于几何形状。以野兽派风格绘画，我们看到他将构图分解为大胆的色块，从而将花朵还原为基本形状。水彩画是绘画品质和色彩之间的完美平衡，同时又打破了印象派。
Odilon Redon 《白色花瓶与花》（1916）
柔和的渲染，这个充满活力的花卉静物的象征画家奥迪隆·雷东一个展望的未来。在荷兰早期静物画中如此突出的精确表达和背景设置已经一去不复返了。相反，Redon使用颜色的渐变来创建空间。他的花朵从精确、细致的渲染变为更加抽象的花瓣，使整个绘画充满活力。有趣的是，Redon直到60岁才开始转向花卉绘画，那时他将大部分时间都花在了创作这些花卉上。对于雷顿来说，花画是一件严肃的事，他非常喜欢。他曾经说 “我认为这是我画的好东西之一，这花瓶一直是我的理想。”。“除了对花瓶中呼吸着简单花朵的欣赏外，我没有什么能比给我更多乐趣的了。”
