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装饰艺术的历史渊源对

花匠小妙招
2024-11-18 12:02

装饰艺术运动的历史起源

装饰艺术与现代主义几乎同时诞生，与现代主义的发展一样，也有许多事件影响着装饰艺术的发展。立体主义、后印象派、未来派及野兽派与壮观的俄国芭蕾艺术一起，为装饰艺术的形成起了推波助澜的作用。1922年发现的杜唐卡蒙（Tutankhamen）墓葬和墨西哥台阶式的玛雅神庙，对装饰艺术的成形也起着重要作用。现代主义和装饰艺术都强调几何造形，但其区别在于工艺。装饰艺术运用传统橱柜制作技术，使其代表作被现代派标榜为精萃，只有富人才买得起手工如此精湛的作品。法国在新艺术消亡后，经过一段时间的空白才出现了新的风格。法国人对包括理查德·利莫切米德（Richard Riemerschmid）在内的慕尼黑设计师于1910年举行的展览印象深刻，他们所展示的室内作品融合了美术与实用美术，并将目标指向更广泛的观众群，所有设计作品的机器制造具有很高水准。从此一些法国设计师开始追循现代派的路线，而其他设计师吸纳了美术与实用美术综合使用产生和谐的室内设计思想，并在当时的几何风格基础上运用传统的手工艺技术。这个阶段的一个主要人物之一就是建筑师安德烈维拉(And r6 Ve ra）。他认为法国应继承路易十六的风格，并将之与20世纪的简练和18世纪的图案结合起来。而此时与传统的燃烧的火炬和弓箭图案不同，基本图案变成花朵、果篮和垂花饰。1925年巴黎装饰艺术与现代工业国际展是这种法国风格（后称装饰艺术）向世界展示的一个轴心点。这个展览原定于1912年，但延期到了1925年才展出。美国设计师虽受到参展邀请，却因自认为没有“现代”的作品而谢绝前往。但后来到美国的各个博物馆的一次巡回展以及各家商店自办的展览皆为美国公众带来了这种新风格，从而促进美国开始探索自己的风格。他们与未来派一样，受到机器、汽车和飞机的启发，设计是几何形的，但美国设计关键的因素是流线造型。科技对于设计产生了不可估量的影响。由于空气动力学的发展，汽车及飞机皆具流线特点，那么何不将其他物品也设计成流线型呢?当时几乎家家有电用，收音机是新鲜事物，家用电器处在蓬勃兴起的变革当中，加上摩天大楼，你会看到美国装饰艺术的多面性。与现代主义设计师不同，装饰艺术的成员倡导装饰。他们虽然使用抽象，但并不致力于纯几何形，他们也不追求人造材料的革新，而偏好使用诸如象牙和鲨鱼皮这样旧的欧洲殖民地才有的材料。装饰艺术运动是在20世纪20到30年代在法国、美国和英国等

装饰艺术运动的风格特征

“装饰艺术”运动风格在形式上受到以下几个因素的影响:
　　??1、埃及等古代装饰风格的实用性借鉴。
　　??2、原始艺术的影响。
　　??3、简单的几何外形。
　　??4、舞台艺术的影响，
　　??5、汽车的影响
　　??6、形成自己独特的色彩系列。

设计中各种风格的历史渊源和特点

　　中国传统

　　稳重、优雅，家具摆放有强烈的对称性，常装饰有雕饰、线脚，并以红木家具为主要家具以雕花隔扇、落地罩、漆画屏风、字画、手工艺品为主，博古架上摆设唐三彩、青瓷花瓶等古董

　　欧式传统

　　室内布置、线型、色彩及家具制作都吸取了传统的“形”和“神”，又以各个的地域的不同风格而各具特色以各国不同时期的代表性饰品的摆放来体现这一时期的特色有欧式陶艺品、古罗马柱、西式茶几、壁炉等

　　包豪司风格

　　注重功能与形式相结合，推崇无色效果以黑色为主色调，风格简洁、明了

　　田园式

　　来自乡村、田野的灵感，推崇自然的生活模式多采用木料、织物、大理石、花岗石、卵石、麻石、红砖块、杉木板、原木、藤器、竹帘、竹花盆、半成品陶器以及金色布艺

　　欧陆风尚

　　随意、简约、时尚，颜色富有个性，或热烈、或宁静、或舒适，个人主观喜好反映明显以丹麦家具为主，还有自然有创意的灯饰；家具不多，但结构合理，还可自己动手做一些陈设品

　　新西式风格

　　以单一黄色为基调，天花板以白色、淡黄色为主，浅黄色墙面配白色家具灰兰色挂画，与墙面颜色相似的地毯，沙发、扶手椅样式现代，铺以大量的布艺装饰，窗帘色彩丰富

　　中国古典风格
　　以宫廷建筑为代表的中国古典建筑的室内装饰设计艺术风格，气势恢弘、壮丽华贵、高空间、大进深、雕梁画栋、金壁辉煌，造型讲究对称，色彩讲究对比装饰材料以木材为主，图案多龙、凤、龟、狮等，精雕细琢、瑰丽奇巧。但中国古典风格的装修造价较高，且缺乏现代气息，只能在家居中点缀使用。

　　古埃及风格
　　古埃及装饰风格简约、雄浑，以石材为主，柱式是其风格之标志，柱头如绽开的纸草花，柱身挺拔巍峨，中间有线式凹槽、象形文字、浮雕等，下面有柱础盘，古老而凝重。光滑的花岗岩是铺地惯用的材料，毛糙的花岗岩小块多用于电视墙主背景上，又称文化墙。

　　希腊古典风格
　　神庙建筑体现了希腊古典风格单纯、典雅、和谐的风貌。多立克、爱奥尼克、科林斯是希腊风

春节传统节日的历史渊源

春节，中国人最重要的节日。是中国最盛大、最热闹、最重要的一个古老传统节日，也是中国人所独有的节日。

春节，是农历的岁首，春节的另一名称叫过年，是中国最盛大、最热闹、最重要的一个古老传统节日，也是中国人所独有的节日。是中华文明最集中的表现。自西汉以来，春节的习俗一直延续到今天。春节一般指除夕和正月初一。但在民间，传统意义上的春节是指从腊月初八的腊祭或腊月二十三或二十四的祭灶，一直到正月十五，其中以除夕和正月初一为高潮。如何过庆贺这个节日，在千百年的历史发展中，形成了一些较为固定的风俗习惯，有许多还相传至今。

在春节这一传统节日期间，我国的汉族和大多数少数民族都有要举行各种庆祝活动，这些活动大多以祭祀神佛、祭奠祖先、除旧布新、迎禧接福、祈求丰年为主要内容。活动形式丰富多彩，带有浓郁的民族特色。2006年5月20日，“春节”民俗经国务院批准列入第一批级非物质文化遗产名录。

春节的来历有一种传说，中国古时候有一种叫“年”的怪兽，头长触角，凶猛异常。“年”长年深居海底，每到除夕才爬上岸，吞食牲畜伤害人命。因此，每到除夕这天，村村寨寨的人们扶老携幼逃往深山，以躲避“年”兽的伤害。有一年除夕，从村外来了个乞讨的老人。乡亲们一片匆忙恐慌景象，只有村东头一位老婆婆给了老人些食物，并劝他快上山躲避“年”兽，那老人捋髯笑道：“婆婆若让我在家呆一夜，我一定把‘年’兽撵走。”老婆婆仍然继续劝说，乞讨老人笑而不语。半夜时分，“年”兽闯进村。它发现村里气氛与往年不同：村东头老婆婆家，门贴大红纸，屋内烛火通明。“年”兽浑身一抖，怪叫了一声。将近门口时，院内突然传来“砰砰啪啪”的炸响声，“年”浑身战栗，再不敢往前凑了。原来，“年”最怕红色、火光和炸响。这时，婆婆的家门大开，只见院内一位身披红袍的老人在哈哈大笑。“年”大惊失色，狼狈逃蹿了。第二天是正月初一，避难回来的人们见村里安然无恙十分惊奇。这时，老婆婆才恍然大悟，赶忙向乡亲们述说了乞讨老人的许诺。这件事很快在周围村里传开了，人们都知道了驱赶“年”兽的办法。（客家人的传说）从此每年除夕，家家贴红对联、燃放爆竹；户户烛火通明、守更待岁。初一一大早，还要走亲串友道喜问好。这风俗越传越广，成了中国民间最隆重的传统节日。腊月二十三祭灶我国春节，一般是从祭灶揭开序幕的。祭灶，是一项在我

蛋雕的历史渊源

在中国，远在明清时期，民间在喜庆婚娶、祝福庆寿、喜得贵子时，为图吉祥如意，就有了赠送红鸡蛋的习俗。当时在北京一带更是流行此风，而且用量也相当可观。于是就有一部分人摆摊设铺，专门卖红色染过的鸡蛋，称其为“彩蛋”。后来，商贩们又在彩蛋上画些花鸟、鱼虫、脸谱等图案，以图生意兴隆。在欧洲，基督教传入欧洲之后，大约在中世纪时代，开始有人将壳予以彩绘装饰，取其具有〝新生〞，〝重生〞之意义，而使它成为复活节的装饰品，此一习俗迄今仍流行于欧美各国深受基督教影响之地区。但将装饰蛋提升至艺术品之境界的功臣，则非Faberge家族莫属。Faberge家族于公元1884年为沙皇亚历山大三世设计了第一款的〝皇家复活蛋〞被指定为皇室御用品珠宝商。其后所接连不断完成的皇家复活蛋系列产品，使得装饰蛋成为举世皆知的艺术品，其作品遗留至今偶于拍卖会上出现，皆以惊人的高价为人抢标。而其所创造的豪华风格，与民间彩绘蛋艺术相结合，形成今日欧美地区装饰蛋之独特风格与流行。经过多年演变，彩蛋工艺逐步提高，如今，人们将鸡蛋钻孔掏空，在蛋壳表面雕刻精美图案，终于形成了具有较高欣赏价值的艺术珍品——蛋雕艺术品。在世界工艺美术舞台上，蛋文化已有百年的历史。即便是现在，彩蛋在西方的复活节、圣诞节都是吉祥、祝福的礼物，在俄罗斯博物馆的收藏品中，蛋文化占到了4%。

我想知道国外书籍装帧的历史渊源，或者有没有这方面的书籍推荐

书籍装帧设计是指书籍的整体设计。它包括的内容很多，其中封面，扉页和插图设计是其中的三大主体设计要素。封面设计是书籍装帧设计艺术的门面，它是通过艺术形象设计的形式来反映书籍的内容。在当今琳琅满目的书海中，书籍的封面起了一个无声的推销员作用，它的好坏在一定程度上将会直接影响人们的购买欲。图形、色彩和文字是封面设计的三要素。设计者就是根据书的不同性质、用途和读者对象，把这三者有机的结合起来，从而表现出书籍的丰富内涵，并以一种传递信息为目的和一种美感的形式呈现给读者。当然有的封面设计则侧重于某一点。如以文字为主体的封面设计，此时，设计者就不能随意地丢一些字体堆砌于画面上，否则只仅仅按部就班地传达了信息，却不能给人一种艺术享受。岂不说这是失败的设计，至少对读者是一种不负责任的行为。殊不知，没有读者就没有书籍，因而设计者必须精心地考究一番才行。设计者在字体的形式、大小、疏密和编排设计等方面都比较讲究，在传播信息的同时给人一种韵律美的享受。另外封面标题字体的设计形式必须与内容以及读者对象相统一。成功的设计应具有感情，如政治性读物设计应该是严肃的；科技性读物设计应该是严谨的；少儿性读物设计应该是活泼的等等。好的封面设计应该在内容的安排上要做到繁而不乱，就是要有主有次，层次分明，简而不空，意味着简单的图形中要有内容，增加一些细节来丰富它。例如在色彩上、印刷上、图形的有机装饰设计上多做些文章，使人看后有一种气氛、意境或者格调。书籍不是一般商品，而是一种文化。因而在封面设计中，哪怕是一根线、一行字、一个抽象符号，一二块色彩，都要具有一定的设计思想。既要有内容，同时又要具有美感。达到雅俗共赏。扉页是现代书籍装帧设计不断发展的需要。一本内容很好的书如果缺少扉页，就犹如白玉之瑕，减弱了其收藏价值。爱书之人，对一本好书将会倍加珍惜，往往喜欢在书中写些感受或者缄言之类的警句，若此时书中缺少扉页，该是多少的遗憾。书中扉页犹如门面里的屏风，随着人们审美观的提高，扉页的质量也越来越好，有的采用高质量的色纸；有的还有肌理，散发出清香；有的还附有一些装饰性的图案或与书籍内容相关并且有代表性的插图设计等。这些对于爱书的人无疑是一份难以言辞的喜悦，从而也提高了书籍的附加价值，吸引更多的购买者。随着人类文化的不断进步，扉页设计越来越受人们的重视，真正优秀的书籍应该仔细设计书前书后的扉页，以满足读者的要求。插图设计是活跃书籍内容的一个重要因素。有了它，更能发挥读者的想象力和对内容的理解力，并获得一种艺术的享受。尤其是少儿读物更是如此，因为少儿的大脑发育不够健全，对事物缺少理性认识，只有较多的插图设计才能帮助他们理解，才会激起他们阅读的兴趣。目前书籍里的插图设计主要是美术设计师的创作稿、摄影和电脑设计等几种。摄影插图很逼真，无疑是很受欢迎，但印刷成本高，而且有的插图受条件限制而通过摄影难以达到，如科幻作品，这时必须靠美术设计师创作或电脑设计。在某些方面手绘作品更具有艺术性，或者是摄影力所不及的。总之，各有所长。总之，一本好的书籍不仅要从形式的吸引上打动读者，同时还要经得“耐人寻味”，这就是要求设计者具有良好的立意和构思，从而使书籍的装帧设计从形式到内容形成一各完美的艺术整体。书籍装帧及版式设计渊源、基本知识和内容、设计方法这里是别人的一些装祯方案可以参考一下别人的排版帧设http://www.fansart.com/c2d/20061117153729_3.asp

艺术设计的起源和人类历史一样悠久？

艺术的起源，普通人肯定不会了解。但是他的起源却是和人类发展进步同步的，更是人类进步的基础。原始社会的人们，从根本意义上来说他们还不能算是人，只是灵长动物的一个分支。因为他们还过着茹毛饮血的生活，和动物是没有区别的。直到某天一阵雷声过去，将原始人的家点燃，这个时候人类开始觉醒了。原始人将火供奉神明，为了让火种常在，于是开始轮守。而人类的生活时间也得到了一定延长，因为夜晚可以看到东西，所以不用再早早地去睡觉。当人类有了更多的时间去做更多的事情，于是艺术开始在人的头脑中形成。为了证明自己对火的崇拜，于是他们将火神话成形，最早的图腾就产生了，而这个神话的主角当然就是太阳了。人面网纹盆就是一个很好的证明。而这个神话主角也一直持续到今天。结绳让艺术走向了另一个范围，实体手工，铸就了现代建筑。当时结绳是为了记住某些事情，而后来人们慢慢发现可以用很多方法结出不同的结，而里面就出现了很多符合原始人审美观点的形状，这就成为了艺术。奴隶社会的发展，让艺术成为了一种形式，同样还是让艺术将某些事物神话，并去记录他，让人们敬仰他，奴隶主对此更是不遗余力，将艺术正式成为了人类生活的一部分，虽然他的目的不怎么好。封建社会君授神权的思想，让艺术又找到了根据点，于是人类社会进步最大的社会体制，艺术的发展也是最大，而这个时候实体手工艺术开始崭露头角，伟大的建筑工程都是在这个时候产生的，空中花园，金字塔，斗技场，故宫等。艺术真正开始走向人类生活，并实用话是在封建社会末期，启蒙运动，文艺复兴将艺术开始细化，而这个时候就产生了一种形式意义上的设计，东方的水墨，西方的素描，接着水彩与油画的出现将艺术设计带入一个全新的领域。画是艺术设计的起源，资产阶级革命，让人类从剥削统治下解放，同样思想也得到了解放，层出不穷的设计将人类带入一个崭新的时代，而艺术也开始在社会发展中扮演起主导角色。包豪斯的出现让艺术设计成为一门学科，而艺术开始发挥他无穷的力量开始改变这个社会。当人类正视一件事情的时候，这件事情就会给人类巨大的推动力，建筑设计就是一个时代的象征，近代艺术设计的觉醒触发了更多产业的出现，工业设计，包装设计，服装设计等等，使得艺术开始让人类生活多姿多彩，更加舒适。一个事物总有他的两面性，艺术发展韵生出低俗艺术，人体画本身是一种对绘画功底的证明，到了近代也出现了一些猥琐的东西，色情开始和艺术挂钩。现代艺术的主要表现是广告艺术，但是慢慢地他已经变为一种低俗艺术，色情也正式开始侵蚀艺术，各大网站的美女，半遮半掩的露点图片铺天盖地，人们已经习以为常。到处都是看的让人会触发癫痫的FLASH，这已经是一种不折不扣的低俗艺术。很多朋友都想成为艺术设计大师，但是实际的环境却不能让他们如愿，商业化的艺术完全可以和低俗艺术画上一个重重的等号，因为往往都是那些不懂艺术的人，在主使这些未来的艺术家做他们不愿做的事情。所以艺术已经发生了质变。我想我们需要革命了，一个启蒙运动，或者一个文艺复兴，都可以让这些寻求艺术的人得到希望。但是我也想为现代艺术说一些有用的话，工业革命让工业造型成为艺术的主体，宫本茂的超级玛莉促就了一个新产业的诞生——电子艺术。第一个WEB的产生也同样是因为一些热爱艺术的人，将信息艺术化为了网页。 CSS更是证明了这点，接着出现的XSL作为XML的表现体，都是这样。其实这些都是艺术，也都是艺术设计。 AJAX让人们体验到了网页浏览的无缝结合，其实这些都是因为艺术而产生的。所以我一直对一些年轻人说，艺术不是画好一两张画，设计一两个作品就叫艺术设计，真正的艺术和艺术设计是一种思想，是能够把艺术带到任何领域的思想。艺术可以做好程序，艺术可以搞好市场，艺术更可以让一个昌盛。其实这都是一个思想。艺术家绝对不会停留在画画作图上面，而是将他的艺术思想带给所有的人，去改变这些人的思想，让他们用艺术化的思想去做好他们的本业。艺术是崇高的，其实是崇高的思想，每个人都有艺术天分，没有人不懂艺术。但是每个人并不都是思想崇高的，所以我们这些搞艺术的人，就要将这种思想带给他们，让自己的思想得到升华的同时，让接受艺术思想的人也开始转变他们自卑落寞的思想。这才是真正的艺术。不局限于艺术的艺术，那是真艺术，能够给自己找到更多的发展方向，也可以创造出一个全新的艺术产业。今天我在写程序，不能保证，我不会搞出一种程序艺术来，甚至要高于程序。今天我在做市场，不能保证，我不会搞出一种艺术化的市场来，甚至比现在的市场前景更好。所以，朋友，你要为你选择了艺术而骄傲，因为他能做到的太多，并且会做的更好!

装饰艺术运动的影响？

装饰艺术运动在20世纪20年代兴起，到30年代成为一个国际性的流行设计风格，影响到建筑设计、室内设计、家具设计、工业产品设计、平面设计、纺织品设计和服装设计等等几乎设计的各个方面，是本世纪非常重要的一次设计运动。虽然主要的发展只是法国、美国和英国，但是这种风格却成为世界流行风格，甚至到远在东方的上海都可以找到装饰艺术风格的建筑和室内设计，可见其流行的广度。相比之下，“新艺术”运动虽然也遍及欧美，但是从影响的范围来看，地区性非常强，并且在很大程度上只是设计界的探索，很难成为一个比较统一的流行风格。可见，对装饰艺术风格的研究有特别重要的意义。装饰艺术风格之所以如此普及，原因之一是因为它本身的折衷立场为大批量生产提供了可能性。“新艺术”运动没有可能广泛普及，也正因为它的曲线、非几何形态造成了只能手工生产，不能大批量机械生产的状况。20世纪开始，人们己经注意到，如果希望某种风格能够得到普及，成为流行风格，批量生产的考虑是不能忽视的一个重要因素。　　装饰艺术运动是装饰运动在20世纪初的最后一次尝试，它采用手工艺和工业化的双重特点，采取设计上的折衷主义立场，设法把豪华的、奢侈的手工艺制作和代表未来的工业化特征合二为一，产生一种可以发展的新风格来。这场运动与世界的现代主义设计运动几乎是同时发生，也几乎同时于30年代后期在欧洲大陆结束，因而，在各个方面都受到现代主义的明显影响。但是，由于它主要强调为上层顾客服务的出发点，使得它与现代主义具有完全不同的意识形态立场，也正因为如此，所以装饰艺术运动没有能够在第二次世界大战之后再次得到发展，而基本成为史迹，只有现代主义成为真正的世界性设计运动。　　装饰艺术运动在装饰和设计手法上为我们提供了大量可资参考的重要资料，从材料的运用，到装饰的动机，直到产品的表面处理技术，无论哪一个方面，这个风格都有不少可以借鉴和学习的地方，它的东方和西方结合、人情化与机械化的结合的尝试，更是80年代的后现代主义时期重要的研究中心。从形式上看，20、30年代的这个设计运动的风格与80年代的后现代主义风格有千丝万缕的联系，从意识形态方面来说，也有类似的地方。因而，对于它的了解和研究，就更具有重要意义了。

简述‘装饰艺术’运动的背景。发展以及风格特征

装饰艺术运动是一个装饰艺术方面的运动，但同时影响了建筑设计的风格，它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会。当其在1920年代初成为欧洲主要的艺术风格时并未在美国流行，大约1928年，快到现代主义流行的1930年代前才在美国流行。ArtDeco这个词虽然在1925年的博览会创造，但直到1960年代对其再评估时才被广泛使用，其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作。　　Art Deco演变自十九世纪末的Art Nouveau（新艺术）运动，当时的Art Nouveau是资产阶级追求感性（如花草动物的形体）与异文化图案（如东方的书法与工艺品）的有机线条。Art Deco则结合了因工业文化所兴起的机械美学，以较机械式的、几何的、纯?#92;装饰的线条来表现，如扇形辐射状的太阳光、齿轮或流线型线条、对称简洁的几何构图等等，并以明亮且对比的颜色来彩绘，例如亮丽的红色、吓人的粉红色、电器类的蓝色、警报器的黄色，到探戈的橘色、及带有金属味的金色、银白色以及古铜色等等。同时，随着欧美帝国资本主义向外扩张，远东、中东、希腊、罗马、埃及与马雅等古老文化的物品或图腾，也都成了Art Deco装饰的素材来源，如埃及古墓的陪葬品、非洲木雕、希腊建筑的古典柱式等等。装饰艺术运动　　这种最早出现在法国博览会临时展示馆，看似既传统又创新的建筑风格，结合了钢骨与钢筋混凝土营建技术的发展，让象征着资本主义教堂的摩天大楼成为可能，并且于资本主义中心的大城市里得到了实践场域。典型的例子是美国纽约曼哈顿的克赖斯勒大楼(Chrysler Building)与帝国大厦(Empire State Building)，其共同的特色是有着丰富的线条装饰与逐层退缩结构的轮廓。除了这些举世闻名的建筑物外，在其它类型的建筑物，无论是私人或公共建筑、纪念性或地域性，都可以看见Art Deco的影响，如方盒状的公寓、巨型的发电厂与工厂、流线型且充满异国色彩的电影院、金字塔状的教堂等等，都因其寓意式的装饰或花纹状的浮雕而被称作Art Deco建　　筑。　　编辑本段特征　　总之，Art Deco的装饰有下列几个主要的特征： 1.放射状的太阳光与喷泉形式：象征了新时代的黎明曙光。 2.摩天大楼退缩轮廓的线条：二十世纪的象征物。 3.速度、力量与飞行的象征物：交通运输上的新发展。 4.几何图形：象征了机械与科技解决了我们的问题。 5.新女人的形体：透露了女人赢得了社会上的自由权利。 6.打破常规的形式：取材自爵士、短裙与短发、震撼的舞蹈等等。 7.古老文化的形式：对埃及与中美洲等古老文明的想象。 8.明亮对比的色彩

装饰艺术对现代设计的影响

（1）“新手工艺美术运动”与装饰　　从18世纪工业革命开始，直到19世纪末期，工业技术改变着人们的生活方式，产品设计在这种变革与混乱中发展。人们在生活习惯与心理上对旧有产品的形式与风格有很强的留恋，这反映在设计上表现为装饰化的特点，注重传统装饰趣味。装饰与机械生产的要求之间的矛盾不可避免地产生。许多设计师不愿意参与对工业产品进行设计，而大多数工业产品单方面追求标准化、批量化生产，对产品本身却忽略了装饰美、形式美的因素，造型粗糙、丑陋，产品的审美品味与格调不高。　　1851年，在英国伦敦海德公园内举行的世界工业博览会上，集中暴露了一些矛盾。展品以工业产品居多，外型粗陋。许多产品上加了些不伦不类的纹样为装饰，想以装饰弥补其形式上的丑陋。但事实证明，其结果更加糟糕。因此，以约翰·拉斯金和威廉·莫里斯为首的一批有识之士进行了一场名为“新手工艺美术运动”的设计风格改革运动，主张艺术家走入生活，艺术与技术结合，创造为大众理解和接受的作品。它反对维多利亚矫饰之风，倡导中世纪的纯朴装饰，并吸收日本的装饰，从自然中汲取素材，创出新的设计风格，这是一种可贵的探索。它的影响遍及欧洲多国，使“新艺术运动”在欧洲蓬勃兴起。从这个意义上来讲，“新手工艺美术运动”以新的装饰反对矫饰，主张精致、合理的设计，并保存了手工艺，对现代设计思想的形成有重要影响。　　（2）“新艺术运动”与装饰　　在英国“新手工艺美术运动”的感召下，19世纪末20世纪初，在欧洲和美国产生和发展了规模宏大、影响广泛的“新艺术运动”具体地体现在建筑、家具、工业品、服装、首饰、书籍插图等，甚至雕塑与绘画等纯艺术领域内部也出现一种新的设计风格与艺术面貌。它涉及了法国、荷兰、比利时、西班牙、美国等十几个和地区，直到1910年左右，才逐渐被“装饰艺术运动” 和“现代主义运动”取代。这场运动反对矫饰风格，主张回归自然，极大地发展了植物、动物纹样在图案设计上的运用，创出一种唯美主义装饰风格。　　法具设计师萨穆尔·宾在1895年开办了名为“新艺术之家”的工作室及设计事务所，主张设计师创造新风格。1900年，他们展出了“新艺术之家”的家具作品，获得很大成功，“新艺术”之名从此传开。展出的作品有强烈的自然主义倾向，模仿植物形态和结构。这与萨穆尔·宾的“回到自然去”的口号相一致。“新艺术运动”创造了非常特殊的装饰风格。“从亨利·凡德威尔德的室内，到基玛德的巴黎地下铁入口设计，从安东尼·高蒂的建筑，到穆卡的大张海报，都呈现出从来没有过的非历史主义的新装饰风格探索力量。” ⑶ 这场设计运动运用了装饰、自然主义风格把艺术和手工艺与产品设计结合，造就了在19世纪和20世纪之交时期的典型设计风格，成为现代主义时代即将来临的前奏。　　（3）“装饰艺术”运动与装饰　　“装饰艺术”运动是在20世纪20－30年代在法国、英国、美国等展开的设计运动，它与欧洲的现代主义运动几乎同时发生，彼此都有一定的影响。　　随着现代化与工业化逐渐改变了人们的生活方式，艺术家们也尝试着寻找一种新的装饰使产品形式符合现代生活特征。1925年在巴黎举办了大型展览“装饰艺术展览”，该展览向人们展示了“新艺术”运动后的建筑与装饰风格，在思想与形式上是对“新艺术”运动的矫饰的反动，它反对古典主义与自然主义及单纯手工艺形态，而主张机械之美，从现代设计发展历程看，它是具有积极的时代意义的。“装饰艺术”运动并非单纯的一种风格式样运动，它在很大程度上还属于传统的设计运动。即以新的装饰替代旧的装饰，其主要贡献是在造型与色彩上表现现代内容，显出时代特征。　　无论是“新手工艺美术”运动、“新艺术”运动，还是“装饰艺术”运动，它们都是从装饰出发去发展新的、合理的、完善的设计风格，也从而扩展了“装饰”的艺术价值。这其中对装饰的肯定与发扬直接形成现代设计改革的动力因素。　　二、现代主义设计对装饰的否定　　我们都知道，现代主义设计风格是受到现代艺术运动以及“新建筑”运动的影响发展起来的，它具有一定的社会民主主义色彩，强调机械美、功能美、主张理性化的设计，主张简洁、实用，否定装饰的作用，把形式与功能的关系对立起来，从而发展出与以前不同的设计风格。　　早在1892年，美国芝加哥学派的建筑师沙利文便提出：“如果我们能在一段时期内完全放弃装饰，以使我们的思想敏锐地集中于形式完美的建筑和漂亮的裸体上，这对我们的审美情趣一定大有好处。”⑷ 他提出的“形式服从功能”这一提法，成为功能主义的宣言和核心的思想。　　“新艺术”运动的核心人物之一，--凡·德·威尔德于1894年在他的《为艺术清除障碍》一文中，提出“美的第一条件是，根据理性法则和合理结构造出来的符合功能的作品。” ⑸ 这些思想成为机械美学的先声。　　奥地利建筑师阿道夫·卢斯极端主张功能的重要性。他对装饰极为反感。1898年他在一篇文章中写道：“只在形式中求美而不依靠装饰，这是整个人类希望达到的目标”。⑹ 他还说“文明的进步等于从有用的东西上揭去装饰”。⑺ 他将装饰归于“落后的”、“色情的”、“浪费的”的范畴。“装饰是一种精力的浪费，因此也就浪费了我们的健康，历来如此。但在今天它还意味着材料的浪费，这两者合在一起就意味着资产的浪费。” ⑻ 1908年，卢斯发表了《装饰与罪恶》，其文的内容可以用“装饰即犯罪”这一口号来概括。这些理论在一定程度上充当现代主义运动的指导思想，也把现代主义设计推向功能主义的设计方向。　　包豪斯是现代设计运动的摇篮，也预示现代主义设计高潮的到来。包豪斯于1919年由格罗佩斯创办于德国魏玛，在短暂的14年（1919－1933年）的办学历程中，形成了整套的设计教学体系。提倡艺术与技术的结合，形成了现代主义设计风格。它标志着原来的装饰形态中的设计被现代主义理性设计取代。　　包豪斯被纳粹关闭后，其主要教学骨干和学生流散到欧美各国，使理性设计思想在全世界范围内传播。二十世纪四、五十年代的“国际风格”正是包豪斯的设计风格普及化的结果。“国际主义风格”完全排斥装饰，把功能至上的理性精神奉为准绳。现代主义设计大师、机械美学的代表人物勒·柯布西埃提出“房屋是居住的机器”。是经典的机械化和功能化的设计思想。　　1958年，密斯·凡德罗和菲利普·约翰逊设计的纽约西格莱姆大厦是国际主义风格的标志性建筑，同时也是密斯·凡德罗“少即多”的设计思想的产物，这种过分强调理性、功能，简洁的设计越来越缺乏个性与人情味，越来越使人们感到厌倦。　　现代主义设计对装饰的排斥并不意味装饰的消失。相反，装饰又以新的形式出现。英国学者彼得·柯林斯在《现代建筑设计思想的演变》一书中写道：“是否的确由于19世纪过分运用装饰而导致了废弃装饰，还是装饰只不过改换了打扮？”他认为，“装饰并未来亡，它仅仅是不知不觉地融合于结构之中了”。⑼ 现代主义设计是把装饰与结构同化，创造出了“无装饰的装饰”。　　三、后现代主义设计对装饰的复兴　　随着人们对国际主义风格的厌倦，到了60年代，设计师们推出了“波普设计（pop Design），满足大众的审美趣味。追求雅俗共赏的目的。色彩与装饰因此被重新运用。并且在70年代里兴起了多种“后现代主义”风格，反对国际主义设计的单调形式。　　“后现代主义”设计指的是“在现代主义、国际主义设计上，大量利用历史装饰动机，进行折衷主义式的装饰的一种设计风格” ⑽ 它有明确的时间段，从70年代持续到90年代初，之后便开始衰退。　　后现代主义设计是对现代主义设计的挑战，是对现代主义、国际主义设计的一种装饰性的发展，反对设计中的国际主义、极少主义风格，主张以装饰手法达到视觉上的审美愉悦，注重消费者心理的满足。在设计上大量运用了各种历史装饰符号，但又不是简单的复古，采取的是折衷的手法，把传统的文化脉络与现代设计结合起来，开创了装饰艺术的新阶段。　　从本质上讲，后现代主义设计并非对现代主义设计进行推翻与否定，而是在肯定其实用功能因素的基础上，在形式上赋予其人格化，情感化的装饰效果。后现代主义设计理论的权威、美国评论家、建筑家和作家查尔斯·詹克斯自己也说：后现代主义是现代主义加上一些什么别的。　　后现代主义设计中采用大量历史风格，比如哥特式、巴洛克式。从古典到文艺复兴，无所不包，进行装饰符号的挪用，戏谑、调侃、夸张和象征的描述，以多种历史风格的整合拼接达到装饰化的效果，它是折衷主义的，许多作品都反映了这种特征。比如查尔斯·穆尔设计的美国新奥尔良的意大利广场。菲力普·约翰逊的AT&T大厦等。　　装饰在后现代主义设计中的复兴，很大的程度上是为了摆脱严肃的、冷漠的、单调的现代主义与国际主义设计风格带来的压抑。　　最早在建筑上提出明确的后现代主张的美国建筑师罗伯特·文丘里认为，现代主义、国际主义风格是丑陋的、平庸的，对于“少即多”的教条，他恢谐地将其改为“少即厌烦”。1969年，文丘里利用历史建筑符号，用戏谑的方法设计了在宾夕法尼亚的胡桃山的“文丘里住宅”。是具有完整后现代主义特征的最早建筑。　　随着后现代主义设计的发展，装饰在设计中的地位重新回归。彼得·霍夫曼在《八十年代的美国建筑》一文中说：“再也不把装饰视为邪端。几乎所有这些建筑都充分展示出一种对‘修饰’的新兴趣，表现一种建筑的趣味性”。⑾ 　　在产品设计领域，意大利的索特萨斯等人组成的“孟菲斯”设计小组成为代表，设计作品造型独特、色彩艳丽，装饰化、波普化和娱乐化。　　后现代主义设计的显著的特点在于其历史主义、装饰主义、折衷主义和娱乐性。这些手法的运用适应了人们各方面需要，使人们在视觉与心理上都逐渐扫除了对工业产品中由现代主义、国际主义风格造成的理性与冷漠的感觉。　　透视现代主义设计发展到现在的历程，我们看到了装饰的重要意义。那么，作为一种艺术符号，“装饰”在未来的设计中也不会消失。它是艺术的符号，又是文化的符号。而且，装饰满足人的心理需要。正如赫伯特·里德在《工业艺术的历史与理论》中认为的那样：“装饰品的必要性是心理上的。人们身上还存在着某种被称作恐惧的情感--无法忍受寂寥的空间”。他还说“对于装饰品唯一的评价就是，它应在某种程度上突出形式。我避免使用‘增加’这个常用的词，因为，如果形式是恰当的，就不能再给它增加什么” ⑿ 他强调合理的装饰会使作品更加美丽。　　意大利孟菲斯集团的设计师索特萨斯说过，设计应该是对生活方式的设计。确实，未来的设计本质上就是对生活方式的设计，而适宜的装饰正是设计美好的生活方式的重要手段，是以“宜饰而饰”达到“宜人”的目标，它会让人们走向的艺术化的、充满诗意的生活。　　装饰艺术（decoration art）　　依附于某一主体的绘画或雕塑工艺。使被装饰的主体得到合乎其功利要求的美化。装饰艺术与人的日常生活联系广泛，结合紧密，如环境艺术设计、工业造型设计，日常用品装饰如服装、首饰、商品包装等等，几乎一切工艺领域均与装饰艺术有关。从其与装饰主体的关系看，它有双重性质。一方面它必须从属于主体，即装饰是从美感的角度来标明主体的特征、性质、功用以及价值。另一方面装饰艺术亦可从主体当中独立而出，显示出自己的审美价值，如中国古代汉墓中作为装饰的画像石、画像砖，它附属于整个墓室，与其浑然不可分离，然而，其精美、恢宏、古拙的画面完全可视为完美的艺术品。事实证明，其审美的意味有能超脱于主体性能和使用价值观念的趋向，从而具备了纯欣赏性的因素，导致了这些装饰性绘画与雕塑的独立。　　在区别于工艺设计的狭义的绘画与雕塑中使用或汲取装饰艺术的形式特点创作的作品，通常称为装饰风格或装饰风。它们是自成主体、有自己内涵的独立型艺术，其强烈的特征是其欣赏性更强，造型上有一定幅度的夸张变形，并呈图案化趋向，色彩上多重视平面空间的对比关系，与强调三维空间的透视、光影的性质相左。

装饰艺术运动与后现代主义运动的区别

装饰艺术运动(Art Deco)是一个装饰艺术方面的运动，但同时影响了建筑设计的风格，它的名字来源于1925年在巴黎举行的世界博览会(Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes)。当其在1920年代初成为欧洲主要的艺术风格时并未在美国流行，大约1928年，快到现代主义流行的1930年代前才在美国流行。Art Deco这个词虽然在1925年的博览会创造，但直到1960年代对其再评估时才被广泛使用，其实践者并没有像风格统一的设计群落那样合作。它被认为是折衷的，被各式各样的资源而影响。　　19世纪20--30年代的欧美设计革新运动。在大工业迅速发展、商业日益繁荣的形势推动下,欧美的工业设计逐渐走向成熟。仍然经常留恋手工业生产的新艺术设计运动,己不能适应普遍的机械化生产的要求。以法国为首的各国设计师,纷纷站在新的高度肯定机械生产,对采用新材料、新技术的现代建筑和各种工业产品的形式美和装饰美进行新的探索,其涉及的范围主要包括对建筑、家具、陶瓷、玻璃、纺织、服装、首饰等方面的设计,力求在维护机械化生产的前提下,使工业产品更加美化。巴黎是装饰艺术运动的发源地和中心,1925年在巴黎举办了装饰艺术展,装饰艺术运动因此得名并在欧美各国掀起热潮。它受到新兴的现代派美术、俄国芭蕾舞的舞台美术、汽车工业及大众文化等多方面影响,设计形式呈现多样化,但仍具有统一风格,如注重表现材料的质感与光泽;在造型设计中多采用几何形状或用折线进行装饰;在色彩设计中强调运用鲜艳的纯色、对比色和金属色,造成强烈、华美的视觉印象。在法国,装饰艺术运动使法国的服饰与首饰设计获得很大发展,平面设计中的海报和广告设计也达到很高水平。格雷(Eileen Gray)的室内和家具设计,把富有东方情调的豪华装饰材料与结构清晰的钢管家具完美结合。在美国,装饰艺术运动受到百老汇歌舞、爵士音乐、好莱坞电影等大众文化的影响,同时受到蓬勃发展的汽车工业和浓厚的商业氛围的影响,形成独具特色的美国装饰风格和追求形式表现的商业设计风格,它们从纽约开始,逐渐从东海岸扩展到西海岸,并衍生出好莱坞风格。尤其在建筑、室内、家具、装饰绘画等方面表现突出。纽约的帝国大厦和洛克菲勒大厦,在整体外观、室内、壁画、家具和餐具等方面的设计,都表现了典型的美国装饰艺术风格。位于洛杉矶的可口可乐公司大厦,其建筑设计表现出汽车式的流线型形态。美国装饰风格20世纪30年代传至欧洲,使欧洲的装饰艺术风格更加丰富。在英国,装饰艺术风格始于19世纪20年代末,突出表现在大型公共场所的室内设计和大众化的商品(肥皂盒、爽身粉盒等)包装上。伦敦的克拉里奇饭店的房间、宴会厅、走廊和阳台,奥迪安电影连锁公司兴建的大量电影院等,表现出英国装饰艺术风格与好莱坞风格的结合。装饰艺术运动中表现出的东西方艺术样式的结合、人情味与机械美的结合等内涵,在20世纪80年代,重新受到了后现代主义设计师的重视。　　装饰艺术运动　　时间：20世纪20年代到30年代　　地点：法国美国英国等　　这是一场风格特殊的设计运动无论从材料的使用上还是设计的形式上都受到了现代主义的影响　　但在色彩上强调服务权贵这与现代主义立场相悖　　是20世纪最后一场装饰运动的尝试　　设计手法　　1东西方特色结合　　2人情化和机械化结合　　形式上受到哪些因素影响？　　1 埃及等古代装饰风格的借鉴　　2 原始艺术的影响　　3 简单的几何形态　　4 舞台艺术的影响　　5 美国爵士音乐的影响　　6 汽车的影响　　7 形成独特的色彩系列（鲜红鲜蓝橘红金属色）　　绘画海报插花等平面设计的设计特点是什么？　　题材：上层社会的奢华　　形式：色彩明快线条清晰装饰构图大量采用曲折线和成角的面并采用抽象的色彩构成　　后现代主义是西方20世纪七十年代兴起的一个设计运动流派，最早出现在建筑领域，形成于美国，很快波及到欧洲及日本，经过30多年的发展，逐渐形成了自己的体系和理论基础，并由建筑领域扩散到其他的设计领域尤其是工业设计领域。根据各种描述、争论的文章来看，后现代主义并没有严格的定义，其中包括了各种不同的甚至是截然相反的观念、流派、风格特征，似乎是一个大杂烩，但有一点可以肯定，即它们都是西方工业文明发展到后工业时代的必然产物，都是对现代主义的批判和反思中产生出来的，是对现代主义的反动或修正。　　第一个将后现代主义引入设计领域的英国建筑评论家是查尔斯&S226;詹克斯，他被公认为是后现代主义的辩护人；第一个向现代主义宣战的是美国建筑师罗伯特&S226;文图里。1966年，罗伯特&S226;文图里发表了他的《建筑的复杂性与矛盾性》（Complexity and Contradiction in Architecture）一书，在书中，罗伯特&S226;文图里首先肯定了现代主义对于设计的贡献，然后，大胆地提出了与现代主义不同的观点，对现代主义思想中的国际主义风格进行了无情的抨击，被认为是“继1923年勒&S226;科布西耶的《走向新建筑》之后的又一部里程碑式的重要著作”。文图里指出国际主义风格已经走到了尽头，成了设计师才能发挥的桎梏，必须找到一种全新的、不同于现代主义的设计思想，来满足社会生活多样化的需求，摒弃国际主义风格的一元性和排他性，创建建筑的复杂性和矛盾性体系，他的这种言论和主张，在启发和推动后现代主义的运动中起到了航标灯的作用。　　1977年，查尔斯&S226;詹克斯在他出版的《后现代建筑语言》中给后现代主义下了一个定义：“一座后现代主义建筑至少同时在两个方面表述自己：一层是对其他建筑以及一小批对特定建筑艺术语言很关心的人；另一层是对广大的公众、当地居民，它们对舒适的传统房屋形式以及某种生活方式问题很有兴趣”。也就是说不仅从专业角度而且从大众的角度都能得到理解和接受的“折衷性”、通俗性及多元性，后来在八十年代查尔斯&S226;詹克斯出版了一本《什么是后现代主义？》中进一步将后现代主义定为双重译码：“现代技术与别的什么东西的组合，以使建筑能与大众及一个有关的少数（通常是其他建筑师）对话。”并指出只有具备这种“双重译码”的混血语言才可为更广泛的各种文化层次的人所接受。更有甚的是，查尔斯&S226;詹克斯以日本现代主义设计师山崎实设计的帕鲁伊特伊戈公寓群的炸毁为标志，宣称现代主义已经死亡，进一步刺激了后现代主义设计运动的发展，并从理论上铺平了后现代主义的道路。　　美国另一位建筑师罗伯特&S226;斯特恩（Robert Stern）在对现代主义的国际风格进行批判后，也对后现代主义进行了讨论，在他发表的《现代主义运动之后》一书中提出“所谓后现代主义是现代主义的一个新的侧面，并非抛弃现代主义，建筑要重返‘正常的’途径在于探索一条比现代主义运动先驱者们所倡导的更有含蓄力的途径。”并将后现代主义定义为文脉主义（Contextualism）、隐喻主义（Allusionism）和装饰主义（Ornamentalism）三种特征。　　上述三位大师的学说构成后现代主义的理论基础，但是从各自的观点出发，对于后现代主义的描述、理解还是有相当大的出入，其中文图里和詹克斯基本是持对现代主义的否定态度，而斯特恩则是对现代主义的修正态度，三位之中又以文图里对于后现代主义的发展贡献最大，正是他给后现代主义的发展提出了比较完整的指导思想。

论述：后现代主义、新艺术主义、装饰艺术运动

1、法国作为“新艺术”发源地的法国，在开始之初不久就形成了两个中心：一是首都巴黎；另一个是南斯市（Nancy）。其中巴黎的设计范围包括家具、建筑、室内、公共设施装饰、海报及其他平面设计，而后者则集中在家具设计上。1889年由桥梁工程师居斯塔夫•艾菲尔（Guistave Eiffel 1832—1923）设计的艾菲尔铁塔堪称法国“新艺术”运动的经典设计作品。这一纪念碑性质的建筑座落于塞纳河畔，是法国为了显示法国革命以来的成就而建造的。在700多个设计方案中，艾菲尔大胆采用金属构造设计的方案一举中标。塔高328米，由4根与地面成75度角的巨大支撑足支持着高耸入云的塔体，成抛物线形跃上蓝天。全塔共用巨型梁架1500多根、铆钉250万颗，总重量达8000吨，这一建筑象征现代科学文明和机械威力，预示着纲铁时代和新设计时代的来临。法国“新艺术”运动时期，在巴黎和南斯，不仅出现了三个设计组织——新艺术之家、现代之家和六人集团；而且涌现了一批著名的设计家。新艺术之家由萨穆尔宾于1895年在巴黎普罗旺斯路22号开设称为新艺术之家的工作室与设计事务所而得名：“现代之家”由朱利斯迈耶一格拉斐（Julius Meier-Graefe）于1898年在巴黎开设称为“现代之家”的设计事务所和展览中心而得名。而“六人集团”则成立于1898年，是由六个设计家组成的松散设计团体。在这三个组织及周围有名的设计师还有爱米勒•加雷（Emile Galle 1846—1904）、路易•马若雷尔（Louis Major Elle，1859—1926）、勒内•拉里克（Rane Laliqua 1860～1945）欧仁•格拉塞（Eugene Grasset 1841—1917）、儒勒•舍雷（Jules chéret）、土鲁斯•劳特累克（Toulouse Lautrec 1864～1901）皮埃尔•波那尔（Pierre Bonnard 1867—1947）和埃克多•基马（Hector Guimard 1867—1942）。爱米勒•加雷是南斯派的创始人，他在设计艺术方面的成就主要表现在玻璃设计上。他大胆探索与材料相应的各种装饰，形成了一系列流畅和不对称的造型，以及色彩丰富的精致的表面装饰。他的玻璃设计显示了对圆形的偏爱，对线条运用的娴熟技能和对花卉图案处理的高超技能。常用的图案是映现在乳色肌理上的大自然的花朵、叶子、植物枝茎、蝴蝶和其他带翼的昆虫。此外，他设计的家具也与他的玻璃设计作品一样，其装饰题材以异乡植物和昆虫形状为主，鲜花怒放和花叶缠绕构成了这些作品独特的表面装饰效果，具有象征主义的特征。他常使用细木镶嵌工艺进行装饰，使其设计的家具精美而雅致。他在家具方面最有名的设计是1904年设计的“睡蝶床”，蝴蝶身体和翅膀所使用的玻璃和珍珠母传达了薄皮肌肤，木头黑白交替图纹则再现了翅翼的斑纹。路易•马若雷尔是南斯派的另一位代表人物。他在设计上的成就主要表现在家具铁器上。和爱米勒•加雷一样，路易•马若雷尔的作品融合了异国和传统的成分，包括新罗可可图案、日本风格和有机体形状，以及受自然启发的形状和装饰。其作品的构造和装饰表现了流畅的节奏，圆形轮廓和倾斜线条赋予作品雕塑感。在他的设计中，功能从属装饰的特点十分明显。由于马若雷尔在家具设计方面成就卓著，所以有“马若雷尔式”家具的美称。勒内•拉里克的设计成就主要体现在珠宝方面。他的作品是娇柔豪华的法国新艺术风格的最好见证。在他的珠宝设计中，大量运用来自自然的图案装饰，其中植物和昆虫图案最为常见，并且被处理成怪异的形式。此外，他对材料的选择也极富想象，包括仿宝石、彩金、搪瓷、不规则珍珠和半透明角。女人体是拉里克设计中爱用的另一个主题。珠宝上的女人体刻划细腻，栩栩如生。如1895年他向法国艺术家沙龙送交的展品中，有一件特别迷人的蜻蜓珠宝。拉里克在这件异乎寻常的胸针中加入了一个全裸女人体作为装饰。这是第一件采用女裸体装饰的新艺术珠宝，很快成为欧洲其他设计师模仿的对象。继拉里克之后，在新艺术珠宝设计方面卓有成就的当推欧仁•格拉塞。他设计的珠宝奇特，具有独创性，充满了激情、想象和梦幻。其中最有名的作品是“西尔维亚”坠饰。它采用植物图案，用无金属底珐琅和淡水珍珠制成。新艺术运动时期，法国的海报及其他平面设计也非常出色，被设计界公认为是现代商业广告的发源地。图形大师儒勒•舍雷因在1866年把从英国学来的色彩石版技法运用到广告印刷上，使此法风靡一时而被称为现代“广告之义”。他一生设计了几百幅罗可可线条和亮色块为特征的招贴。继舍雷之后，招贴设计迅猛发展，名家辈出，其中土鲁斯•劳特累克招贴的平块亮色，皮埃尔•波那尔招贴的粗犷字母和粗浓线条节奏，至今给人深刻的印象。土鲁斯•劳特累克设计的《快乐王后》、《简•阿伏勒》和《红磨坊》歌舞演出海报等堪称新艺术图形作品的代表。他的招贴用线条来勾勒物体与人物，选取日常生活的题材，令人感到亲切。最具独创性的，是他对人物性格的夸张，文字与图形的巧妙安排，有力的对比等。而阿尔丰斯•穆沙设计的招贴、海报因其具有强烈的新艺术运动特点：曲线、自然形式、高度装饰化、平面效果等，被誉为新艺术运动最杰出的平面设计师。据不完全统计，穆沙一生设计了近百张招贴，风格融合了多种影响，含有鲜明色块的日本高雅轮廓与来自拜占庭和摩尔人艺术的几何装饰糅合在一起。这些流露着拜占庭风格，以天使、棕榈叶和马赛克围绕的理想化女性形象为特征的招贴，将广告招贴提升到了美术品的高度（图3-9）。如他在1893年为“《JANE AVRIL》”设计的海报，就是这种风格最典型的例子。至于埃克多•基马的作品，则体现了法国新艺术建筑的最高成就。他最重要的设计是为巴黎地下铁道系统设计的一系列入口，他在20世纪初受巴黎市委托，设计地铁入口，一共有100多个，这些建筑结构基本上是采用青铜和其它金属铸造成的。他充分发挥了自然主义的特点，模仿植物的结构来设计，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚有意地采用海贝的形状来处理，令人叫绝！入口、栏杆、标牌、支柱和电灯构成了一幅和谐的有机体和抽象形状混合景观。 2、比利时比利时的新艺术运动仅次于法国。主要的设计组织有1884年成立的“二十人小组”和后来由它改名的自由美学社。重要的代表人物有维克多•霍塔（Victor Horata 1867—1947）和享利•凡德•威尔德（Henry Van de Velde,1863-1957）. 享利•凡德•威尔德堪称19世纪末和20世纪初叶比利时最为杰出的设计家、设计理论家和建筑家。他对于机械的肯定，对设计原则的理论，以及他的设计实践，都使他成为现代设计史上最重要的奠基人之一。他于1906年在德国魏玛建立的一所工艺美术学校，成为德国现代设计教育的初期中心，日后又成为世界著名的包豪斯设计学院。威尔德在比利时期间，一方面从事“新艺术”风格的家具、室内、染织品设计和平面设计；另一方面，作为“二十人小组”和“自由美学社”的主要领导者，领导比利时的新艺术设计运动。比利时新艺术运动在比利时设计史上被称为先锋派运动。始于19世纪80年代。1881年，由奥克塔•毛斯（Octave Maus ）创办民主色彩浓厚的艺术刊物《现代艺术》（L’Art Moderne），宣传新艺术思想。在他的组织下，一批有志于艺术与设计改革的青年在1884年组成了一个前卫小组二十人小组（the Groupe des Vingt），他们通过举办一系列艺术展览，展示当时欧洲最前卫的艺术作品，使比利时人了解当时前卫艺术发展的状况，接触现代艺术思想。二十人小组推威尔德为他们的领袖，从1891年开始，每年举办一次设计沙龙展示各种各样的产品设计和平面设计。1894年，这个小组改名为“自由美学社”。就个人的设计而言，威尔德的设计大量采用曲线，特别是花草枝蔓，纠缠不清地组成复杂的图案。这在他们平面设计和纺织品纹样设计上反映得最为充分，抽象线条形状的运用形成了维尔德独特的形式语言，刀叉餐具、珠宝、烛架、茶壶和其他实用物品的设计都传达了他那新艺术风格的强烈节奏。他能超越对自然的直接模仿去发掘生动和抽象的线条，认为这样的线条才是自然的本质。“线条是力量”当成为“新”的装饰的基础。他于1899年设计的烛架，可以看作是这种思想的体现，它巧妙地阐述了设计师有关线条的理论，成功的将树枝线条的节奏转化为抽象排列的曲线。维克多•霍塔是一位激进的民主主义者，主要从事建筑及室内设计，他的建筑设计具有两个明显的特征：一是注重装饰，受自然植物启发的“鞭绳”线条到处可见，在墙面装饰、门和楼梯中十分突出；二是建筑暴露式钢铁结构和玻璃面。塔赛勒公馆是霍塔早期的代表作之一。该建筑设计的基础是叶、枝、涡卷精细图案构成的起伏运动。室内遵循华丽的新艺术设计。门厅和楼梯带有彩色玻璃窗和马赛克瓷砖地板，饰有盘旋缠绕的线条图案，与熟铁栏杆的盘绕图案、柱子和柱头、脊突拱廊以及楼梯圆形轮廓相呼应，整体和谐统一。而霍塔公馆则为维克多•霍塔设计生涯的巅峰之作，新艺术建筑的里程碑。 4、西班牙安东尼•高蒂（Andonni Gaudi，1852—1926），是西班牙新艺术运动的最重要代表。他作为一位具有独特风格的建筑师和设计家，他出身卑微，是一名普通手艺铜匠的儿子。他一生被肺炎折磨，从小就沉默寡言。17岁开始在巴塞罗纳学建筑，其设计灵感大量来自他广泛阅读的书籍。早期具有强烈的阿拉伯摩尔风格特征，也就是其设计生涯的“阿拉伯摩尔风格”阶段。在这个阶段中，他的设计不单纯复古而是采用折衷处理，把各种材料混合利用。属于这种风格的典型设计是建于1883——1888年间，位于巴塞罗那卡罗林区的文森公寓。这个设计的墙面大量采用釉面瓷砖作镶嵌装饰处理。高蒂从中年开始，在他的设计中，糅合了哥特式风格的特征，并将新艺术运动的有机形态、曲线风格发展到极致，同时又赋予其一种神秘的、传奇的隐喻色彩，在其看似漫不经心的设计中表达出复杂的感情。高蒂最富有创造性的设计是巴特洛公寓（the Casa Batllo），该公寓房屋的外形象征海洋的海生动物的细节。整个大楼一眼望去就让人感到充满了革新味。构成一二层凸窗的骨形石框、覆盖整个外墙的彩色玻璃镶嵌及五光十色的屋顶彩砖，呈现了一种异乎寻常的连贯性，赋予大楼无限生气。公寓的窗子被设计成似乎是从墙上长出来的，造成了一种奇特的起伏效果，稍后他设计的米拉公寓（the Casa Mila）,进一步发挥了巴特洛公寓的形态，建筑物的正面被处理成一系列水平起伏的线条，这样就使得多层建筑的高垂感与表面水平起伏相映生辉。公寓不仅外部呈波浪形，内部也没有直角，包括家具在内，都尽量避免采用直线和平面。由于跨度不同，他使用的抛物线拱产生出不同高度的屋顶，形成无比惊人的屋顶景观，整座建筑好像一个融化时的冰淇淋。米拉公寓由于风格极端，引起了巴塞罗那市民的指责，报纸以各种诨名来攻击这个设计：比如蠕虫、大黄蜂的巢等（the Quarry the Pate the hornets’nest）。在高蒂所有的设计中，在今天看来，最重要的还是他为之投入43年之久，并且至死仍未能够完成的神圣家族教堂。该教堂1881年委托高蒂设计，1884年始建，用了42年时间才建成，主要由于财力不足，多次停工。教堂的设计主要模拟中世纪哥特式建筑式样，原设计有12座尖塔，最后只完成4座。尖塔虽然保留着哥特式的韵味，但结构己简练得多，教堂内外布满钟乳石式的雕塑和装饰件，上面贴以彩色玻璃和石块，仿佛如神话中的世界一般，教堂浑身上下看不到一条直线，一点清楚的规则，弥漫着向世界的工业化风格挑战的气息。西班牙“新艺术运动”另一位代表人物是路易•多米尼科•蒙塔尼（Louis Domenico Montaner，1850-1930）其设计风格基本上与法国、比利时的风格同步，但更重视功能的作用，代表性的设计是卡塔拉兰音乐厅。 5、奥地利奥地利的新艺术运动是由维也纳分离派发起的。这是一个由一群先锋艺术家、建筑师和设计师组成的团体，成立于1897年，最初称为“奥地利美术协会”（the Austrian Fine Art Association）。后来，因为他们标榜与传统和正统艺术分道扬镳，故自称“分离派”。其口号是“为时代的艺术，为艺术的自由”（Der Zeit Ihre Kunst-der Kunst Ihre Freiheit）。主要代表人物有：建筑家奥托•瓦格纳（Otto Wagner 1841—1918）、约瑟夫•霍夫曼（Soseph Hoffmann 1970—1956）、约瑟夫•奥尔布里希（Sosph Oblrich 1867—1908）、科罗曼•莫塞（Koloman Moser 1868—1918）和画家居斯塔夫•克里木特（Gustav Klimit）等。瓦格纳是奥地利新艺术的倡导者，他早期从事建筑设计，并发展形成自己的学说。他早期推崇古典主义，后来受工业技术的影响下，逐渐形成自己的新观点。其学说集中地反映在1895年出版的《现代建筑》（Moderne Architektur）一书中。他指出新结构和新材料必然导致新的设计形式的出现，建筑领域的复古主义样式是极其荒谬的，设计是为现代人服务，而不是为古典复兴而产生的。他对未来建筑的预测是非常激进的，认为未来建筑“像在古代流行的横线条，平如桌面的屋顶，极为简洁而有力的结构和材料”，这些观点非常类似于后来以“包豪斯”为代表的现代主义建筑观点。他甚至还认为现代建筑的核心是交通或者交流系统的设计，因为建筑是人类居住、工作和沟通的场所，而不仅仅是一个空洞的环绕空间。建筑应该具有这种交流、沟通、交通为中心设计考虑，以促进交流，提供方便的功能为目的，装饰也应该为此服务。他在1900——1902年设计建造的维也纳新修道院（Neustiftguss 40）40号公寓，就体现了他的“功能第一，装饰第二”的设计原则，并抛弃了“新艺术运动”风格的毫无意义的自然主义曲线，采用了简单的几何形态，以少数曲线点缀达到装饰效果。建于1899年的马若里卡公寓大楼虽堪称瓦格纳的代表作之一，整个大楼外表装饰十分豪华，马若里卡彩砖和简洁的纵横方格形成鲜明对比。但是，只有到了他晚期的作品，才真正体现出维也纳新艺术的独特风貌，摈弃了一切多余的装饰。如建于1897——1898年的维也纳分离派总部（the Vienna Secession Building），充分采用简单的几何形体，特别是方形，加上少数表面的植物纹样装饰，使设计具有功能和装饰高度吻合的特点，与外型奇特、功能不好的高蒂设计的建筑形成鲜明对照。约瑟夫•奥尔布里希和约瑟夫•霍夫曼是瓦格纳的学生，他们继承了瓦格纳的建筑新观念。奥尔布里希为维也纳分离派举行年展设计的分离派之屋，以其几何形的结构和极少数的装饰概括了分离派的基本特征。交替的立方体和球体构成了建筑物的主旋律，如同纪念碑一般简洁。与奥尔布里希相比，霍夫曼在新艺术运动中取得的成就更大，甚至超过了他的老师瓦格纳。他于1903年发起成立了维也纳生产同盟（Wiener Werksttate），这是一个近似于英国工艺美术运动时期莫里斯设计事务所的手工艺工厂，在生产家具、金属制品和装饰品的同时，还出版了杂志《神圣》，宣传自己的设计和艺术思想。霍夫曼一生在建筑设计、平面设计、家具设计、室内设计、金属器皿设计方面作出了巨大的成就。在他的建筑设计中，装饰的简洁性十分突出。由于他偏爱方形和立体形，所以在他的许多室内设计如墙壁、隔板、窗子、地毯和家具中，家具本身被处理成岩石般的立体（图3-18）。在他的平面设计中，图形设计的形体如螺旋体和黑白方形的重复十分醒目，其装饰手法的基本要素是并置的几何形状、直线条和黑白对比色调。这种黑白方格图形的装饰手法为霍夫曼所始创，被学术界戏称为“方格霍夫曼”（图3-19）。画家出身的克里木特是“维也纳分离派”中最重要的艺术家，在绘画风格上同样采用大量简单的几何图形为基本构图，采用非常绚丽的金属色，如金色、银色、古铜色，加上其他明快的颜色，创造出非常具有装饰性的绘画作品，在当时画坛引起很大的震动。他为建筑设计的壁画，采用陶瓷镶嵌技术，利用其娴熟的绘画技巧，为设计增添了许多魅力。维也纳分离派另一代表人物莫塞，虽以绘画久长，但与分离派设计家们的合作十分密切。他们装饰绘画风格简单明快，与克里木特的绘画风格形成鲜明对照，趋向于用单色或黑白颜色进行设计。如1898年他为维也纳分离派设计的展览海报，就是新艺术运动的典型作品。 6、英国作为一种设计运动，英国的新艺术设计活动主要限于苏格兰。因此，它在英国的影响远远不及“工艺美术运动”。在这场影响有限的设计运动中，取得了比较大的成就的是格拉斯哥四人团（Glasgon Four）：查尔斯•雷尼•麦金托希（Charles Rennie Mackimtosh，1868—1928）、赫伯特•麦克内尔（Herbert Mcnair1868—1953）、马格蕾特•麦克唐纳（Margaret Mcdonald,1865—1933）、法朗西丝•麦克唐纳（Frances Mcdonald,1874—1921）。在19世纪90年代至20世纪初，他们在建筑、室内、家具、玻璃和金属器皿等的设计方面形成了独一无二的苏格兰新艺术表现，即柔软的曲线和坚硬高雅的竖线交替运动的新表现，亦即设计史界所习称的“直线风格”。麦金托希不仅是“格拉斯哥四人团”的领袖人物，而且其设计集中地体现了“直线风格”。他于1868年6月7日出生于格拉斯哥，家庭有11个孩子，儿童时代十分幸福，很早就决心要从事建筑。虽然父母反对，但他在16岁时就离开家庭外出学习绘画、建筑并参与设计。他的设计领域非常广泛，涉及到建筑、家具、室内、灯具、玻璃器皿、地毯、壁挂等，同时，他在绘画艺术方面也造诣甚高。他的设计风格的形成，在很大程度上受到日本浮世绘的影响。从他很小的时候起，他就对日本浮世绘线条的使用非常感兴趣，特别是日本传统艺术中简单的直线，利用不同的编排和布局，取得非常富有装饰性的效果。当然，他的设计风格也源于英国的工艺美术运动的成果，特别是以威廉•莫里斯、约翰•拉斯金等人为首的各种试验的发展，另外还有欧洲其它“新艺术”运动，特别是被视为现代主义前奏的一些人物，如维也纳分离派运动等的影响。麦金托希作为一个全面的杰出的设计家，在建筑设计方面成就尤大。他早期的建筑设计一方面受到英国传统建筑的影响，而另一方面则倾向于采用简单的纵横直线。他最成功的建筑设计是格拉斯哥艺术学院的一些建筑，设计上采用简单的立体几何形式，内部稍加装饰，非常富有立体主义精神。室内大量采用木料结构，简单的几何形式，内外协调，形成一种统一的风格。为了达到高度统一的设计风格，他还统一设计建筑内部的家具和用品，家具采用原色，注重纵向线条的运用，利用直线搭配进行装饰，尽管避免过多的装饰。如格拉斯哥艺术学院图书馆的设计，没有流畅的装饰线条，而是抽象而富有力量的几何造型，给人的印象如同抽象形式合奏的复调音乐。又如1902年他为希尔大楼所设计的室内，其简洁的立体图形与地板的同类图形相呼应，并且将这种基调延伸到长方形门框、天花板、墙板和几何形灯具，简洁的格子形主宰室内，汇成简洁而空旷的整体效果。再如在家具设计方面，像椅子、柜子、床等都别具特色，特别是他设计的靠背椅，完全采用黑色的造型，非常夸张，完全摆脱了一切传统形式的束缚，也超越了对任何自然形态的模仿。从大量的作品来看，以麦金托希为代表的格拉斯哥设计风格，集中地反映在装饰内容和手法的运用上。具体而言，表面装饰遵循严格的线条图案——主要是常常以卵形告终的微曲竖线——以及格子和风格化的玫瑰形；配色柔和，主要限于淡橄榄色、淡紫色、乳白色、灰色和银白色构成的清淡优美的色彩；拉长的女子沉思形姿在他们的设计中也十分突出；装饰线条虽超起于稳定，但其视觉效果也不会变化，大多数表面图案抽象复杂，象征形态点缀其间，这些象征形态与大部分新艺术设计一样，沟通自然；曲弯的竖线与卵形和细胞形图案相同，风格化的叶子和玫瑰花苞赋予作品一种持续增长的活力情调。 7、美国在应用美术领域中，受新艺术运动影响的著名设计师是威尔•布拉德利（Will H.Bradley,1868～1962），他堪称新艺术图形设计代表。布拉德利最初是以比尔兹利的线条风格从事设计，可以说比尔兹利的作品对布拉德利的图形设计风格构成了决定性的影响。关于这种影响，我们从他的1895年设计的招贴《CHAPBOOK》，以及被评论家视为“美国的第一张新艺术招贴”的《孪生姐妹》，可以明显地看出拥有比尔兹利图形风格中的那种曲发装饰图案和平面图案背景。布拉德利1894年的作品反映了英国工艺美术运动设计师的纯装饰化和高度“道德化”的手法，如为《故事书》设计的封面。但是，在随后的设计生涯中，他也总结出了一些新的技法，像以重复线条图案而非仅仅靠黑白对比来建立纹理色调区，黑白被用来衬托彩色和装饰线条。他所总结出来的这些新技法及其他的个人设计风格，集中地反映在他为R•D•布莱克默的美国版《叙事诗》所绘的插图中，以及1895、1896、1905年先后为《国内印刷》设计的封面、为爱德蒙•斯潘瑟的《喜欢》所作的插图和《维克多•比西克里》海报设计中。路易斯•康夫特•蒂夫尼（Louis Comfort Tiffany,1848—1933）是工艺美术设计领域中的代表人物。蒂夫尼主要从事日用器皿的设计，尤其擅长于玻璃设计。在新艺术运动没有影响到美国之前，蒂夫尼进行玻璃设计的原型主要来源于欧洲，但在19世纪最后十年里，他的作品成为欧洲玻璃设计的模式。蒂夫尼在玻璃设计领域所取得的成就是独一无二的，他不仅设计了19世纪90年代后期美国社会最具流行时尚的台灯——彩绘玻璃台灯，而且在19世纪末20世纪初推出了著名的“法夫赖尔”花瓶系列。其中前者的设计中，色彩丰富的玻璃造型灯具使白炽灯泡刺眼的灯光变得极其柔和。青铜的底座是树根和树杆，不规则的造型上面悬挂装饰着百合花、荷花或紫藤花的彩绘玻璃灯罩，具有一种自然而浪漫的情调，而后者的设计，引进了新的色彩效果，大部分是彩虹色，模仿古代风化玻璃器具，有时叠盖风格化的花朵、孔雀羽毛和梳子波纹图案以增强色彩效果。在建筑设计领域，本来在新艺术运动传入美国以前，美国已形成了著名的“芝加哥学派”，这个学派主张建筑功能第一，“形式永远服从功能的需要，这是不变的法则”，“功能不变，形式也不变”。其代表人物有建筑师伯纳姆（Beruhem）、詹尼（Jenney）、艾德勒（Adler）霍拉伯特（Holabird）和路易斯•沙利文（Louis Sullivan,1856&1924）等。通过这些建筑师的工作，从芝加哥开始，美国兴起了建造摩天大楼的热潮。路易斯•沙利文是芝加哥学派最重要的代表人物，他对美国新艺术建筑作出了前无古人的巨大贡献。他在14年中设计了一百多幢摩天大楼，分布在纽约、密苏里、芝加哥等地。他早期的建筑作品表达了将罗马风格建筑语言加于现代形式的愿望。他所设计的礼堂大厦在粗琢的下部楼层上方建有的连拱廊围住窗子。而在建筑的内部，沙利文已开始运用花卉装饰。沙利文最杰出的建筑设计作品是卡森皮里斯科公司商场设计，商场的简洁处理，使该设计成为20世纪无数办工与商业建筑的基本原形。主入口上方及周围布满奢华的新艺术风格的铸铁装饰，这也许是沙利文最杰出的建筑装饰。商场最下面两层是商店，上面十层为办公楼，在钢铁架上挂满白色的陶砖，并有成排的大窗户，充分体现了他“形式服从功能”的现代建筑思想。特别值得一提的还有沙利文和艾德勒合作设计的“芝加哥大剧院”，沙利文通过使用可折叠的天花板护墙和垂直的屏障，用许多悬吊的圆形弧圈把声音从舞台传向剧院后面的观众，使能容纳3000人的剧院达到了完美的音响效果。而在建筑的外部，沙利文改变了剧院的立面材料，在下面三层使用质朴的花岗岩石块，在四层以上使用沙岩，从而强调了建筑墙的垂直感。继沙利文之后，曾经在沙利文建筑事务所工作过的费兰克•赖特（Frank Lloyd Wright,1869—1959），进一步发展了沙利文的新艺术建筑思想，其中主要表现在对新材料的选用及考虑建筑与环境协调方面，他提出了著名的“有机建筑”概念。赖特被视为现代最伟大的建筑师之一。他的建筑设计在19世纪90年代表现出强烈的表面装饰倾向，如1894年他为麦克艾菲住宅所作的设计就是一个典型例子。从1895年开始，赖特在建筑铁饰设计中融入了高雅的垂直和曲线形。至1904年，这些装饰作品对垂线和表面图案的运用已具赖特个人风格。

克里姆林宫和红场的建筑艺术、特点、历史价值？

享有“世界第八奇景”美誉的莫斯科克里姆林宫的俄罗斯的象征，是世界上最大的建筑群之一，是历史的瑰宝，是文化和艺术古迹的宝库。克里姆林宫位于莫斯科市中心，占地28公顷，其西墙根下是占地7公顷的红场。莫斯科河沿着克里姆林宫南墙根和红场南问穿城而过。公元16——17世纪，克里姆林宫曾是历代沙皇的皇宫，随着1703年政治权力向圣彼得堡的转移，克里姆林宫继续保持了宗教中心的地位。当1918年莫斯科再次成为首都后，克里姆林宫重新成为苏维埃部门的所在地，现仍为俄罗斯联帮的政治中心。 11和12世纪之交，在博罗维茨基山岗上出现了一个斯拉夫居民点，这便是克里姆林宫的雏型。12世纪上叶，多尔戈鲁基大公在此处的低丘上修筑了一个木结构的城堡——克里姆林宫（现在的红砖建筑是1485年至1495年兴建的）。克里姆林宫即“城垒”或“内城”的意思。莫斯科就是以这个城堡为核心逐步发展起来的。俄罗斯的一些大城市都有古老的“克里姆林”，但从1547年后，只有在莫斯科的城堡才称“克里姆林”。克里姆林宫基本成型，并保持至今。意大利和俄罗斯的建筑师们共同努力，使意大利文艺复兴时期的建筑风格和俄罗斯传统的建筑风格完美地结合在一起。克里姆林宫大致呈三角形，宫墙全长2235米，高5到19米不等，厚3.5米至6.5米，共四座城门和十九个尖耸的楼塔。著名的“克里姆林宫的钟声”源于斯巴斯克塔楼上的自鸣钟，是1851至1852年安装的，与天文台的校时钟相连，报时最准，塔楼67.3米，下面的大门是进入克里姆林宫的主要通道。克里姆林宫的西面，是亚历山大花园和无名烈士墓，新婚伴侣都要来这里献花。现在又修建了马涅什地下商场和广场，与花园浑然一体，喷泉、雕塑随处可见。无名烈士墓修建于1967年胜利节前，是为了纪念二战中牺牲的人们。墓碑上的长明火，自点燃一直燃烧到今天。墓碑上刻着“你的名字无人知晓，你的功绩永世长存”。外国领导人来，都要到这里来献花。参观克里姆林宫，首先看到的是会议大厦，这是一座现代化的建筑，有6000个座位，内部装饰豪华气派，除开会外，也是高水平演出的地方。再向前走，您会看到炮王和钟王。炮王已有400多年的历史，炮重40吨，炮口直径0。92米。炮前堆着4个炮弹。每个重2吨。炮架上有精美的浮雕，有沙皇费多尔的像。由于太重太大，从未使用过。钟王，当之无愧，重202吨，高6。14米，直径6。60米，比北京永乐大钟重四倍半，花了两年时间于1735年铸成，由于大火，钟上掉下来一块，这一块就重11。5吨。钟上铸有沙皇阿列克谢伊和皇后安娜的像，以及神像等。钟王旁边是白石头建成的伊万大帝钟楼，高达81米，过去是莫斯科的最高点。楼内悬挂着十几个大小古钟，每当敲响时，很远都能听到。再往前走，就是教堂广场，是莫斯科最古老的广场，有5个顶的白石头教堂是圣母升天教堂，历代大公和沙皇在这里进行加冕礼。广场的右边是天使报喜教堂，靠近莫斯科河畔。规模不大，却最具有魅力，是皇宫家用礼拜堂，也是举行皇族婚礼的地方，里面保留着俄罗斯最古老的圣像壁画。对面的天使教堂是君王们的陵寝。迁都彼得堡之后，历代皇帝改葬在圣彼得格勒的“彼得保罗大教堂”。克里姆林宫的主体宫殿大克里姆林宫，竣工于1849年，尔后成了最高苏维埃举行会议的地方。17世纪50年代建成的东正教教长宫，现在是17世纪俄国文化艺术的博物馆。在克里姆林宫举行党代会的大会堂建于1961年，它造在地下，以免影响那些古老建筑的美观。大克里姆林宫是历代沙皇的皇宫，圆顶上插自一面白蓝红三色的俄罗斯国旗。现在这里是俄总统办公的地方，普京就住在这里，只可惜不让参观。再往下，是兵器馆和钻石馆，实际上是俄国历代沙皇贵重物品陈列馆，建于1851年，过去曾是制造和存放兵器的地方。著名的藏品有：王冠、纯金权杖、权标，伊凡雷帝的象牙宝座，沙皇阿列克谢伊的钻石宝库，以及叶卡捷琳娜二世的婚礼长裙，镶满宝石的马鞍和马刀。还有一本17世纪的“圣经”，银制封皮上镶有3017颗宝石等等，件件价值连城。克里姆林宫内包括了具有独特的建筑艺术和造型艺术的建筑经典。克里姆林宫对促进俄罗斯建筑艺术的发展产生了决定性的影响，这一点在艺术复兴时期表现尤为突出。从13世纪到圣彼得堡的建立期间以及在20世纪里，克里姆林宫都与俄罗斯历史上所发生的所有重大事件直接而实在地联系在一起。1990年，根据文化遗产遴选标准，莫斯科克里姆林宫和红场被列入《世界文化遗产目录》。红场是俄罗斯首都莫斯科市中心的著名广场，位于莫斯科市中心,西南与克里姆林宫相毗连。名称来源：　　它的前身是15 世纪末伊凡三世在城东开拓的“城外工商区”。1517 年，广场发生大火灾，广场曾被称为“火灾广场”。从17 世纪下半叶起改称“红场”。历史：　　在俄语中，“红色的”含有“美丽”之意，“红场”的意思就是“美丽的广场”。红场的大规模扩建是在1812 年以后。那时，拿破仑的纵火焚烧了莫斯科，莫斯科人民重建家园时，拓宽了红场。到本世纪20 年代，红场又与邻近的瓦西列夫斯基广场合二为一，形成现在的规模。红场南北长695 米，东西宽130 米，总面积9 万多平方米。广场用赭红色方石块铺成，油光瓦亮。广场两边呈斜坡状，整个红场似乎有点微微隆起。在广场南面，向莫斯科河微倾的斜坡上，矗立着瓦西里·勃拉仁内大教堂。这座教堂是为了纪念俄国沙皇占领喀山公国和阿斯特拉罕，于1555～1561 年修建的。它被誉为古代俄罗斯建筑艺术的卓越代表。教堂是由大小9座教堂巧妙结合起来的，周围8 座略小的教堂团团围住中间稍大的教堂，构成了一组精美的建筑群体。9 座教堂均为圆顶塔楼，中央主塔高47 米，周围是8 座高低、形状、色彩、图案、装饰各不相同的葱头式穹窿。教堂用红砖砌成，白色石构件装饰，穹窿顶金光闪烁，配以鲜艳的红、黄、绿色。整座教堂洋溢着浓烈的节日气氛。在教堂前面，有爱国志士朱宁和波扎尔斯基纪念碑。　　红场北面，是一座三层红砖楼，其式样仿照古代俄罗斯建筑，南北各有尖塔8 座。这是建于19 世纪的历史博物馆，里面收藏有450 万件展品。红场东侧是莫斯科最大的国营百货商店建筑群，修建于20 年代初，分上下两层，营业面积近8 万平方米。　　列宁墓坐落在红场西侧，在克里姆林宫墙正中的前面。1924 年1 月27日建成，最初是木结构的，1930 年改用花岗石和大理石建造。卫国战争后，装有列宁遗体的水晶棺重新更新了。列宁墓一半在地下，一半露出地面，体表是阶梯状的3 个立方体，采用黑、红两色大理石和花岗石建成。陵墓体积为5800 立方米，内部容积为2400 立方米。墓前刻有“列宁”字样的碑石净重60 吨。墓顶是平台，平台两翼是可容纳万人的观礼台。沿黑色大理石台阶而下，可进入陵墓中心的悼念大厅。列宁安祥地躺在铺有红色党旗和国旗的水晶棺内，身穿黄色上衣，胸前佩戴一枚红旗勋章。距列宁墓不远，有列宁博物馆，里面珍藏有列宁的遗物和列宁的传记等。在列宁墓和克里姆林宫墙之间，是前苏联其他领导人的墓地。红场是莫斯科历史的见证，也是莫斯科人的骄傲。　　红场的知名度可以与天安门广场媲美，可是却没有想象中那么大，面积9.1万平方米，大约只有天安门广场的1/5。地面很独特全部由条石铺成，显得古老而神圣。　　红场原名是"托尔格"，意为"集市"。1662年改为"红场"，古语为"美丽的广场"。可不要搞错！红场有不少著名的建筑物，南面是瓦西里升天大教堂，又名波克罗夫大教堂。它是伊凡雷帝为了纪念1552年战胜喀山鞑靼而下令建筑的。当你看到这座教堂，将会被它独特的建筑风格所吸引。这座教堂中间是一个带有大尖顶的教堂冠，8个带有不同色彩和花纹的小圆顶错落有致的分布在它的周围，再配上九个金色洋葱头状的教堂顶，绝妙无比。伊凡雷帝为了别处不再出现这样美丽的教堂，下令弄瞎了建筑师的双眼。可怜的建筑师！瓦西里升天大教堂前面是民族英雄米宁和波扎尔斯基雕像(1818年雕像落成)。1611年至1612 年，他们打败了波兰侵略军，解放了莫斯科。　　教堂前是一个圆形的平台，俗称断头台，是当年向群众说教和宣读沙皇令的地方。同时也是行极刑的地方，行刑是在台下进行，在台上宣读处死令和犯人罪状。往台里面投几个硬币向冤死鬼默哀！　　瓦西里升天大教堂的南面是瓦西里斜坡。一直延伸到莫斯科河畔。　　1988年5月28日，年轻的德国人，竞然驾驶一架轻型飞机降落在瓦西里斜坡。结果苏联国防部长和防空军总司令被解职。您可别试，好像不那么好玩！俄罗斯导弹可利害！　红场的西侧是著名的列宁墓，由红色花岗石和黑色长石建成。列宁的遗体安放在水晶棺中，身上覆盖着前苏联的国旗。脸和手都由特制的灯光照着，清晰而安祥。开放时间为周三、四上午10-11点。周六1-2点。和毛主席的纪念宫比，我看叫列宁小屋更好。列宁老人家死的太早了！伤心！　　列宁墓上层，修建有主席台。每当重要仪式时，领导人就站在列宁墓上观礼指挥。　　列宁墓的后面与克里姆林宫红墙之间。有12块墓碑：斯大林、勃列日涅夫、安德罗波夫、契尔年科、捷尔任斯基等前苏联政治家。斯大林的遗体最初也在列宁墓里，1962年10月31日，却移出列宁墓。葬在列宁墓的后面。　　沿着克里姆林宫墙往前走，墙壁上还安放有朱可夫元帅，列宁的妻子克鲁普斯卡娅，高尔基，第一位宇航员加加林及其他前苏联名人的骨灰。　　红场的东侧是国立百货商场。建成于1893年，由波梅兰兹夫设计，今天已成为世界知名的十家百货商店之一。　　红场的北面是历史博物馆，红砖白顶，也是莫斯科的标志性建筑，建于1873年。95年5月8日，为纪念二战胜利50周年，在红场的北面，立起了二战英雄朱可夫元帅的雕像。

古建筑的艺术价值，社会价值，历史价值是什么

古建筑从总体上说是以木结构为主，以砖，瓦，石为辅发展起来的。从建筑外观上看，每个建筑都有上，中，下三部分组成。上为屋顶，下为基座，中间为柱子，门窗和墙面。在柱子之上屋檐之下还有一种由木快纵横穿插，层层叠叠组合成的构件叫做斗拱。这是以中国为代表的东方建筑所特有的构件。它既可承托屋檐和屋内的梁与天花板，有俨然具有较强的装饰效果。斗拱这个词在谈论中国古建筑中不可不提，由于它在历代建筑中的做法极富变化，因而成为古建筑鉴定的最主要依据。古代建筑以它优美柔和的轮廓和变化多样的形式而引人注意，令人赞赏。但是这样的外形不是任意造成的，而是适应内部结构的性能和实际用途的需要而产生的。如像那些亭亭如盖，飞檐翘角的大屋顶，即是为了排除雨水、遮阴纳阳的需要，适应内部结构的条件而形成的。两千多年前的诗人们就曾经以“如翚斯飞”这样的诗句来描写大屋顶的形式。在建筑物的主要部分柱子的处理上，一般是把排列的柱子上端做成柱头内倾，让柱脚外侧的“侧脚”呈现上小下大的形式，还把柱子的高度从中间向外逐渐加高，使之呈现出柱头外高内低的曲线形式。这些做法既解决了建筑物的稳定功能，又增加了建筑物外形的优美曲线，把实用与美观恰当地结合起来，可以说是适用与美观的统一佳例。中国古建筑在建筑与环境的配合和协调方面有着很高的成就，有许多精辟的理论与成功的经验。古人不仅考虑建筑物内部环境主次之间、相互之间的配合与协调，而且也注意到它们与周围大自然环境的协调。中国古代建筑中有一种讲究阴阳五行的“堪舆”之学，也就是看风水之学，其中虽然夹杂了不少封建迷信的东西，但剔去其糟粕。综合上述，中国古建筑有着很高的欣赏价值。它给我们以审美享受，为研究历史和科学提供实证，为新建筑设计和新艺术创作提供借鉴。它不仅是中华民族文明发展的历史见证，而且是一部极有价值的爱国主义教科书。

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