文艺复兴时期的艺术
一、征服真实（15世纪初期） - 佛罗伦萨的建筑家布鲁内莱斯基（Filippo Brunelleschi），设计建造了佛罗伦萨主教堂，大圆顶，运用古典建筑的式样创造和谐、美丽的新式样。帕齐小教堂，柱子、壁柱和拱的结合。 - 马萨乔（Masaccio）的湿壁画《三位一体》，第一批用透视法的绘画典范。透视法也来源于布鲁内莱斯基。 - 多纳太罗（Donatello）的圣乔治雕像，自然真实，表现出对人体实际特征的研究。他们都开始系统地研究罗马遗物。 - 杨·凡·艾克（Jan Van Eyck），北方艺术的代表人物，发明了油画，画作直指真实与细节，反映自然的一面镜子。根特祭坛画，阿尔诺菲尼的订婚式（艺术家在历史上第一次成为真正的目击者）。 - 只要以表现花朵、珠宝或织品等事物的美丽外观见长的，大约就是北方艺术家的作品，很可能是尼德兰艺术家的作品；以鲜明的轮廓线、清晰的透视法、美丽躯体的准确知识而见长的，大约就是意大利的绘画作品。 - 康拉德·维茨：捕鱼奇迹，以真实的日内瓦湖为背景展现宗教故事。 二、传统和创新：意大利（15世纪后期） - 随着城市的兴起，国际性的风格被打破，师徒式的传授与行会对当地成员的保护使得不同地区的艺术形成了各自独特的风格。 - 阿尔贝蒂：佛罗伦萨鲁切莱府邸。用古典形式装饰建筑的立面，扁平壁柱和檐部，同时带有哥特式风格（窗户）。 - 透视法的延续：安杰利科修士的《圣母领报》，保罗·乌切洛的《圣罗马诺之战》。 - 佛罗伦萨周边的湿壁画：贝诺佐·戈佐利（Benozzo Bozzoli）的《三大博士到伯利恒朝圣》，依稀留有国际哥特式风格的趣味；曼泰尼亚（Andrea Mantegna）的《圣詹姆斯在赴刑场的路上》，真实再现古罗马的情景。皮耶罗（Piero della Francesca）的《君士坦丁大帝之梦》，对光线的运用达到了新的高度，在塑造人物的同时，加强了透视法创造出的景深错觉，可谓是马萨乔最伟大的继承者。 - 绘画反映现实的观念带来了一个新问题，那就是如何排布人物形象，构建完美和谐的结构。这在中世纪恰恰不是一个问题。波拉尤洛（Antonio Pollaiuolo）的《圣塞巴斯蒂安殉教》试图解决这个问题，但略显生硬的构图并未很好地化解这个矛盾。 - 波蒂切利（Sandro Botticelli）搞定了这个问题，他的《维纳斯的诞生》牺牲了一部分人物的立体性和准确性，却获得了美丽和和谐。 - 艺术的这种增加生活的美丽和可爱的作用，一直没有被完全遗忘。到了我们所谓意大利文艺复兴的时期，这种作用就日益占据主导地位了。 三、传统和创新：北方各国（15世纪） - 佛罗伦萨回归古典之时，北方的哥特式建筑还在继续发展，如火焰式风格（Flamboyant Style）的鲁昂法院、垂直式风格（Perpendicular）的剑桥国王学院（简单，细部的创造）。 - 洛赫纳（Stefan Lochner）的《玫瑰花篱中的圣母》，将杨·凡·艾克的发现运用于传统主题，用一定的真实空间表现过去的精神。 - 再现日常生活成为一个主题，让·勒·塔韦尼埃《查理曼大帝的征服地》。 - 罗吉尔（Rogier van der Weyden）的祭坛画《卸下圣体》，细节真实，背景单纯，轮廓清楚，主题明确。罗吉尔试图把艺术要满足的新要求跟艺术的古老的宗教意图相互协调起来，图案清楚的古老传统被他保存下来。 - 凡·德尔·胡斯（Hugo van der Goes）的祭坛画《圣母安息》，对十二使徒各不相同的反应的描绘以及追求真实的空间感。 - 印刷术的发明带来了木刻画和雕版画（雕刻铜版），舍恩高尔（Martin Schongauer）是15世纪最著名的雕版画大师之一，《圣诞之夜》的细节刻画与构图让人赞叹不已。版画也大大促进了不同地区艺术的交流，意大利文艺复兴的艺术就此在欧洲胜利地传播开来。 四、和谐的获得：托斯卡纳和罗马（16世纪初期） - 15、16世纪之交的意大利，所谓的文艺复兴盛期。艺术家得到了人们的尊重，终于获得了自由，这也许是大量天才同时出现的最大原因。 - 布拉曼特（Donato Bramante）关于新圣彼得教堂的构想：抛弃传统，建造四方形的教堂，将巨大的穹窿顶安放在巨大的拱上，融合罗马圆形剧场与万神庙的造型。这一设想因为宗教改革最终被放弃。 - 韦罗基奥（Andrea del Verrocchio），达芬奇的老师，制作了威尼斯的科莱奥尼像（青铜骑士像），姿势生动。 - 达芬奇（Leonardo da Vinci）对学者的书本知识不感兴趣，一切都靠自己探索，算得上一位全才。他关心艺术家的地位，认为给艺术奠定科学基础就能使绘画艺术从微不足道的手艺变成高贵、体面的职业。 - 《最后的晚餐》，米兰圣玛利亚慈悲修道院，画面逼真，同时富于戏剧性和激动，而整个画面构图又很稳，毫无杂乱之处（3人一组的4组小群像）。蕴含了达芬奇对圣经这段故事的深刻理解和想象力。 - 《蒙娜丽莎》，如何让人物更真实，显得不那么僵硬？答案就是达芬奇的渐隐法，运用模糊不清的轮廓与柔和的色彩，给人留下想象的余地。蒙娜丽莎的眼角和嘴角就是如此。 - 米开朗琪罗（Michelangelo Buonarroti），专注研究人体，作为雕刻家的他不满教皇尤利乌斯二世让其画画的任务，赌气似的花费四年完成了西斯廷礼拜堂的天顶壁画，震惊众人。雕塑作品《垂死的奴隶》，稳定、单纯和平静。最后一件伟大的作品，圣彼得教堂的穹窿顶。 - 佩鲁吉诺（Pietro Perugino），拉斐尔的老师，熟练运用渐隐法与和谐的构图，祭坛画《圣母出现在圣贝尔纳德面前》。 - 拉斐尔（Raphael Santi），性格温和且能干，圣母像画得神乎其技。《大公爵的圣母》，洋溢着生命的平静之美；《海中仙女该拉特亚》，用完美而和谐的构图表现自由运动的人物形象。人物形象的纯粹美，不再忠实地为自然写照，而是使用想象的标准美的类型，同时也不失生动性与真实性，那是古典世界的理想。 - 红衣主教本博（Cardinal Bembo）为拉斐尔在万神庙的陵墓上撰写了墓志铭：「此乃拉斐尔之墓，自然之母当其在世时，深恐被其征服；当其谢世后，又恐随之云亡。」 五、光线和色彩：威尼斯和意大利北部（16世纪初期） - 威尼斯圣马可图书馆，由桑索维诺（Jacopo Sansovino）设计，运用古典手法，同时使用栏杆、花饰和雕像，与环礁湖反射的光线融为一体。 - 威尼斯画家注重色彩的运用。乔瓦尼·贝利尼（Giovanni Bellini）的祭坛画《圣母与圣徒》，色彩柔和富丽，温暖而神奇的光线，充满了整个画面，带来宁静美丽的世界。 - 乔尔乔内（Giorgione），《暴风雨》，对光线和空气的描绘让人物背后的风景成为画的真正题材，与人物成为一个有机整体，脱离了素描加色彩的窠臼。 - 提香（Titian）在驾驭色彩方面更进一步。在《圣母、圣徒和佩萨罗家族的成员》中，他大胆打破传统的构图方式，用光、空气和色彩把场面统一起来。 - 肖像画《年轻的英国人》，单纯、平易，而又热切、深情。提香的肖像画使很多人产生了一种信念，通过他的艺术他们就可以永生不灭，如教皇保罗三世的肖像画。 - 阿莱格里（Antonio Allegri）被称为科雷乔（Correggio），对光线明暗的处理很在行。《圣诞之夜》就用光来突出圣母和圣婴，以取得整个画面的平衡。帕尔马主教堂天顶画《圣母升天》，通过阳光照耀的云彩，给人一种幻觉，好像天花板已打开，一直向上看到天堂的荣耀。 六、新知识的传播：德国和尼德兰（16世纪初期） - 北方建筑吸收了部分古典风格，形成了哥特式建筑变体，如支柱加柱头，窗户的尖拱变成圆拱等。 - 丢勒（Albrecht Dürer），木刻画、版画和忠实反映自然的水彩。游历到意大利，在哥特艺术的基础上进行新的探索。铜版画《耶稣诞生图》，注重自然环境。铜版画《亚当和夏娃》，用古典艺术曾经赋予人体的理想美来表现人体。 - 格吕内瓦尔德（Matthias Grünewald），艺术不在于寻求美的内在法则，而是用图画来布道，用艺术的新发现来表现所传达的东西，有意重返中世纪的原则。伊森海姆祭坛画《磔刑图》与《基督复活》。 - 风景之美，克拉纳赫（Lucas Cranach）的《逃往埃及途中的休息》与阿尔特多夫尔（Albrecht Altdorfer）的纯风景画。 - 希罗尼穆斯·博施（Hieronymus Bosch），用真实描绘人们从未目睹的事物。《天堂与地狱》，成功把中世纪人们心灵之中的恐惧，转化成可感知的具体形象。
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