雕刻艺术的意义样例十一篇
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篇1
1前言
在我国古代传统建筑里，非常重视装饰艺术。尤其是在民族文化和建筑艺术的发展有着紧密相连的关系，在建筑装饰中有着丰富的表现。在建筑装饰艺术上的艺术特征主要表现在工艺水平和材料质感等特点上，同时吸收了我国古代的绘画艺术和雕刻艺术以及各种书法、纹样和一些图案等特点，使得建筑在一定程度上实现完美和协调。
2建筑装饰艺术中的纹样艺术文化传承分析
我国传统的建筑装饰艺术中的纹样艺术，在我国传统文化中占有一定的位置，其具有较为广泛的题材，同时在形式上多种多样，比较有丰富的内涵，在其他艺术形式上无法替代。我国传统建筑艺术中的纹样在传承方面，具有较多的现实意义。因此，要重新认识并注重纹样艺术的传承。在传统建筑中的梁柱以及各种柱基础上，加上门窗和檐口等地方，都会进行雕刻一些人物和山水，尤其是雕刻的一些花草和各种动物、传说故事等等，这些纹样的雕刻能够很大程度上减少在建筑中的单调感，使得建筑物具有丰富的表现意味。建筑纹样在雕刻艺术上的表现和模仿具有丰富的象征意义，同时具有丰富的力量，例如利用蝙蝠和磬石，是为了谐音寓意福庆的意义，用花瓶和鹌鹑来表现和象征平安的象征。利用石子和玉如意来表现事事如意的象征意味。这些动物在寓意上利用汉字的谐音来组成吉祥话。这是古人趋吉避凶的生动表现。而我们现代人对于美好的祝愿和幸福的向往不亚于古人，从对传统折射出的纹样寓意也能应用于现代纹样设计。例如，在纹样设计中的几何纹以及冰裂纹和各种纹样，都是明显继承古代文化设计的，这些纹样在现代建筑中直接应用在纹样装饰设计上。例如，某地博物馆在建筑上就采取了一些吉祥纹样，使得建筑设计在整体上显示出和传统文化的浸淫。
3建筑装饰中的色彩艺术文化传承分析
在我国传统建筑的装饰色彩方面，经历了几千年的历史沉淀，这些设计在朝代的更替中不断的发展和成熟，最终形成了多样化的色彩装饰艺术。对于不同建筑要运用不同的色彩。色彩运用方面，我国历来强调的是建筑应与环境和谐的统一在一起，例如对于刁娇柳的建筑，这种建筑就是典型的色彩建筑装饰，不仅和环境融为一体，而且还具有美学意味。需要说明的是色彩的运用表现出较严厉的等级观念，红色的运用属于较高礼仪的运用，对于庶民的房舍是不允许用彩色装饰以及斗拱等建立的。而皇室宫殿可以应用色彩艳丽的红色粉刷墙壁，用黄色的琉璃作为屋顶瓦片。体现出的皇家的威严和气势，用这些纯度较高的色彩，正是有利于表现出这些象征意义。在现代建筑装饰中，可以体现出色彩文化的传承的有北京饭店，其室内的设计应用中，选了很多红、绿和黄等传统的色彩，在表现手法方面，体现出浓郁的中国传统意味，表现出民族的文化传承特点。尤其是上海世博会时，中国馆的建筑就运用了红色作为主体颜色，世人称之为中国红。这种色彩的运用，在中国传统建筑装饰等方面体现出现代化的诠释，表现了中国传统的建筑艺术手法，经过大胆的设计，传达出古代优秀的中国建筑艺术文化。而民间的徽派建筑，则体现出淡雅风格，尤其是利用黑白色彩，表现了山水墨画的独特意境之美。这些色彩的运用，在现代建筑中也有着广泛的应用。例如，北京的香山饭店，就是利用这种色彩元素装饰的文化艺术风格，这种建筑装饰有着鲜明的艺术特点，在现代化的表现方式方式上，使得传统和现代融为一体，表现出文化上的传承。在钢结构设计中应用开放式，同时在选择材料时，用到许多玻璃材质，再用白色的墙壁设为主色调，使得建筑风格和建筑色彩具有浓厚的民族风味，体现了我国民间高度的色彩艺术特点。
4建筑雕刻装饰艺术的文化传承
建筑雕刻装饰艺术在我国传统建筑装饰中占有一定的重要的发展地位，尤其是建筑中的一些功能定位和审美要求上，有几种不同的形式，即木雕和石雕、砖雕等。这些雕刻中的木雕一般是利用木材与其他相关材料雕刻的，主要应用到建筑的柱子以及梁柱和各种檩条、枋和椽子等物件上，在这些建筑部位运用各种图案进行丰富的布置和刻画，展现出良好的建筑雕刻艺术。使其表现出古朴和秀丽，庄严和富贵的美学风格，同时也表现了建筑艺术的良好感染力以及表现力。在运用石雕方面，传统建筑艺术用石雕表现了我国建筑的丰富艺术，用这种不容易消失的方式，记录古代人们的雕刻艺术。由于石头具有坚硬的外表，同时对风雨和霜雪的侵蚀比较强耐。因此，这种石雕方式来进行建筑雕刻艺术，是非常流行的。例如，在很多台阶以及柱础等建筑中的石雕非常之多，且雕刻具有较高的价值和美学意义。这是建筑中不可缺少的部分。另外，在砖雕方面，主要是模仿石雕而派生而来的。这种雕刻艺术比石雕更加节省材料和省去很多工作，对经济效益的提升也有较多的利益。而这种砖雕一般在寺庙以及墓室和各种其他住宅上的墙面，这种雕刻的艺术主要体现在对一些人物的刻画以及各种山水、花鸟、走兽等的刻画上。例如，雕刻一些麒麟送子、龙凤呈祥、佛教图像等，都寄托了美好的寓意。目前，很多大型建筑物，都不同程度的运用了这些传统的雕刻技术，一些大型公园和各种起居室，有的就运用了这些木雕、石雕和砖雕艺术来表现和装饰。尤其是在油漆栏杆以及屏风、各种雕花板和壁饰等方面都运用到了这些装饰。这些传统的雕刻装饰艺术以及传统的纹样和色彩装饰艺术，都体现了我国淋漓尽致的传统文化，是对我国传统建筑艺术的文化继承。在目前现代化的发展过程中，科学合理的利用传统艺术，使得建筑风格表现出优秀的文化继承和发展，针对装饰材料的发挥以及传统艺术的结合，在现代化发展中，将古代和现代相结合，在传统建筑装饰的基础上不断地运用各种技术手法，充分表现无比丰富的艺术风格，将传统建筑装饰艺术带进一个新的历史发展阶段。
5结语
综上所述，传统建筑装饰在现代化的今天仍旧有较大的发展空间，在推陈出新方面，在文化传承方面，以及在继承和创造等方面，都有着巨大的意义和作用。建筑不仅满足人们的物质生活，更要带给人们精神上的享受。在建筑艺术的传承文化方面，应该虚心向古人学习，利用传统文化魅力，不断地开创出新的技术和观念，将传统艺术文化继承下来，对装饰色彩和纹样、雕刻等的艺术元素进行充分的融合，使现代建筑和古代建筑糅合到一起，使传统建筑装饰艺术在现代获得巨大的生命力。
参考文献：
篇2
核雕更是我国特有的民间艺术中的一绝。它是在植物果核上，利用其外形特点或起伏的变化，雕镂出各种人物、走兽、山水、楼、台、亭、阁等。核雕的原材料有核桃、桃核、橄榄核、象牙果核、杏核、樱桃核，等等。最佳的是油橄榄核，体积仅有一节指头那么大。在这么小的果核上进行雕刻，其难度是可想而知的。
指掌间的历史
核雕在我国有着悠久的历史，但是究竟源于何朝何代尚无史书记载，不过最早记载可见于宋朝中期，距今有一千多年了。明清时期，我国大型雕塑艺术无大发展，然而小件雕塑品和工艺品的装饰制作却生气勃勃，富于创造性。其中，桃核、杏核雕刻和橄榄核雕刻是颇有特色的品种，其作品的构思和雕刻都达到了极高的工艺水平和艺术境界，被人称作是“微雕神技，艺术奇葩”。因受佛教的影响，人们将用桃核、杏核等雕成的生肖、神仙人物、辟邪神兽、吉祥、祥瑞等系于身上，以保驱邪平安。后因核雕的独创性、精巧构思和极高的工艺水平，风靡朝野，风行民间。精湛玲珑的核雕，成为了文人雅士官宦商贾显示身份的宠物，被视为当时的时尚，同时也是百姓寻求的饰物，而一向为人们搜罗。皇宫里还专门请有核雕高手，为达官贵人们雕刻桃核，作为项链坠和衣饰物。在平民百姓中，有的把它当作信物，如胶东地区男女传情时，女赠男用荷包，男赠女则常用核雕品。
据史籍记载和文物考证，果核雕刻在明代已达到了很高的艺术水平。明宣德年间（1426～1435），夏白眼在橄榄核上雕刻16个小孩，每个小孩仅有半粒米大小，眉目清晰。天启年间（1621～1627），皇帝明熹宗朱由校本人不仅是核雕爱好者，而且也是个核雕创作者。
明代最有名的果核雕刻家是天启年间江苏虞山（今常熟）的（字叔远，号“初平山人”）。他在天启二年创作的“赤壁之舟”是果核雕刻史上的珍品。舟长约3厘米，高约0.5厘米，中间为舱，上以篷覆之，旁开小窗，左右各4扇，且能开合。窗旁雕栏上，右刻“山高月小”“水落石出”，左刻“清风徐来”“水波不兴”。船首刻坡及其好友黄鲁直、佛印和尚3人，其中坡、黄鲁直两人共执一书阅读，而佛印和尚如同弥勒，袒胸露乳，左臂挂念珠，念珠历历可数。船尾横竖一楫，楫的左右各雕刻船夫一人。船背题款：“天启壬戌秋日虞山叔远刻”。字迹细如蚊足，又刻篆章“初平山人”。这件核舟成为后世果核雕刻名匠仿效的典范。《东坡赤壁泛舟图》把核雕艺术推上了历史的高峰。明代文人魏学伊著有《核舟记》一文详记其事。新中国建立之后，《核舟记》被载入中学课本，核舟也因此名传华夏。
清朝中期，核雕物品已演变为摩挲把玩的珍品，人们对核雕物品赏玩品味的发展、核雕的取材也有所变更。选用核大、肉厚，质地紧密，含油性高的“乌橄”的核、胡桃核、松子核及莲子雕刻。核雕物品的表现形式除传统的题材外，在文化内涵上又有了更深的发展。雕刻物品形态生动有致，刀法技艺娴熟细腻，耐人寻味。
清初有人雕念珠一百零八枚，“圆小如樱桃，一枚之中，刻罗汉三四尊或五六尊，立者、坐者、课经者、荷杖者”等“合计之数五百”。核雕之精如此，故清代士大夫，往往以此为饰，随身佩戴，更入佳境；有雕成双层画舫者，人物竟达五十八名之多。乾隆初年（1736年）苏州民间艺人杜世元，也是搞核雕的，用一枚不到一寸的桃核刻“苏子游赤壁”题材，与《核舟记》中的核舟有所不同，在当时被称为“鬼工”。他用桃核、橄榄核创作的核雕艺术品叫人赞叹不已。那一时期我国的核雕艺术家真是人才辈出，星光灿烂。两次鸦片战争后，大清帝国走向政治、经济的衰败，许多核雕艺术家都纷纷离开京城这个民间艺术的中心，逃难他乡，于是核雕艺术也开始走向它的波谷。直到今日，我国从事核雕艺术的人，可谓寥若晨星。
独一无二的微雕艺术
从历史上看，所谓核雕，应该从两个层面上去理解，一是广义上的理解，二是狭义的理解。广义上的核雕，是指以各种果核为载体而创作的艺术品，通常是桃子核、李子核、杏核、橄榄核、核桃或者有一定硬度的其他果核。我国传统的核雕通常是狭义的核雕，即是指以桃核为创作载体雕刻而成的艺术品。
核雕之所以能在我国民间工艺中独成一系，独树一帜，不仅因为它历史悠久，源远流长，而且是因为核雕这门工艺有着它自身的特点。首先是核雕创作载体的独特性。它是以果核为创作原料，这一特点使它同玉雕、石雕、牙雕、根雕等雕刻艺术区别开来，也就决定了这门艺术与其他工艺的不同，从而在传统民间工艺中自成一体。
其次，这门工艺创作的随意性很小，创作人必须以丰富的想象将紊乱的果核纹理构思成型，所以，核雕艺术创作在很大程度上受到果核纹理的限制，尤其是桃核雕。桃核的纹理大小不均，长短不齐，分布不匀，这给创作人的创作带来了困难，所以，从我国古代保留下来的核雕艺术品的题材来看，题材都比较单一，大多是飞禽走兽，花草树木。另外，果核的外形也限制了核雕艺术品的外部造型。从古到今，核雕作品的外形大多是花瓶形、花篮形、船形、猴形、果核原形，后来也发展到一些变形，诸如茶壶、马车等，这相对玉雕、石雕、牙雕来说，核雕的造型受果核外形的限制太大了。
核雕艺术品具有不可复制性。事实上，所有的艺术品都具有这个特点，艺术创作不具有重复性。艺术创作需要灵感，灵感稍纵即逝，一个书法家写100幅同样的字，而运笔酣畅，气韵贯通，表现得淋漓尽致的也许就只有一幅。世界上只有一幅达・芬奇的《蒙娜丽莎》，也只有一幅王羲之的《兰亭序》，这便是艺术，这便是艺术的自我规律。但是《蒙娜丽莎》和《兰亭序》都可以用同样的材质加以复制，都有能够乱真的赝品，然而核雕在这个方面显得很特别，因为桃核繁杂的纹理恰同人的手纹一样，无一雷同，无法找到两个相同的桃核加以复制，因此，我们可以说，每一个核雕作品都是孤品。
核雕属于微雕范畴。这门工艺与同是微刻的米刻、发刻又有区别。雕和刻的区别在于，前者至少是三维的，后者是一维的，所以米刻、发刻虽然是微刻，但那只是在平面上留下划痕，而核雕至少是浅浮雕。核雕工艺的创作，真如《诗经・淇渔》咏唱的：“如切，如磋，如琢，如磨。”需要掌握浮雕、圆雕、透雕、线刻、磨制等技艺，创作上既需要有一定的写实性，更需要有丰富的想象力。
想象力是核雕艺术创作的灵魂。要将桃核错落交织的纹理转化为艺术语言，丰富的想象力显得尤为重要，在艺术家的想象力中，那些乱七八糟的纹路就是一副副生动的画面，沿着想象的轨迹，运用娴熟的技艺，将神、形、理、趣融方寸之中，化腐朽为神奇，变桃核为艺术。
辟邪之核 寓意深远
有人曾说过，艺术源于原始的宗教和巫术，“就迄今为此的全部艺术史看，宗教和哲学在人类精神文化中就一直是艺术存在的两大基石”。狭义核雕最初的产生也是源于我国民间对桃子附加的美意之上。我国是桃的故乡，种植历史至少有3000多年。桃，在我国历史上曾有“天下第一果”之称。古代最早的诗歌集《诗经・周南》篇中，就有“桃之夭夭，灼灼其华”的倾歌。古时，人们还把桃比喻为幸福、美满、吉庆的佳兆，也作为爱情、婚烟、仁义的象征，文人墨客写了像《桃花源记》《桃园结义》《桃花扇》《仙桃盛会》《桃李满天下》等脍炙人口的小说和诗文。
桃之独领在于：一是桃树姿美花艳，李白诗云：“桃李出深井，花艳尺上春。”阳春时节，桃花绽开，先花后叶，秀丽多彩，深受人们喜爱。初春里，粉红的桃花与婆娑漫舞的绿柳相映交辉，使春光更增明媚。杜甫诗云：“红入桃花嫩，春归柳叶新。”在我国有许多地方都以桃花命名，如桃花溪、桃花坞、桃花峰、桃花寺等。同时人们还喜欢把自己的家乡比喻为“桃花盛开的地方”。二是桃的果实美观，风味优雅，香气溢人。三是食疗价值高，桃果味辛酸，性甘热，能健胃补血，可预防贫血症，有“益瘢色、解劳热”的功效，常吃桃子不仅能美容，还可延寿。由此，桃象征着“福寿”，在我国民间里流传着许多“吃桃成仙”的民间故事，于是桃又有“仙桃”“寿桃”之称。而且，民间还把桃木做的剑视为辟邪驱鬼之物，桃核是桃之核心，经雕刻加工佩带身旁，既可做装饰，又有辟邪之用，所以，明清年间，核雕风行无不与桃子的宗教意义有关。
苏州核雕
明清时期，苏州核雕渐兴，江浙一带官宦商贾崇尚风雅，流行玩赏竹木牙雕等奇珍，以显示自己的身份和地位，由此核雕风靡朝野，出现了“凡文人必手持折扇，有折扇必有核雕扇坠”之盛况，精湛而玲珑多巧的核雕也被人们争相佩带和收藏。清末民初也出现了不少核雕名家，如杨芝山、都桂兰。杨芝山的核桃雕“西园雅集图记”技艺精绝，都桂兰的核雕还被总理1955年出访时作为赠送外国元首的礼品。
民国时期，苏州太湖边上的舟山村核雕逐渐兴起。舟山村自古就是出雕工艺匠之地，据《香山小志》记载：“香山梓人，巧者居十之五六。又有雕工，专将竹根、竹节、黄杨、紫檀，以及象牙、牛角、桃核、橄榄核等，刻山水人物、花卉鸟兽等玩品，精巧有致，雅俗共赏。”
当今的核雕，品种、花色更加丰富多彩，其表现形式可分为三个系列。一是珠串式，即把多个核雕穿成一串，多为十八罗汉头像，各种祥兽，群仙聚会等；二是坠件式，即以单粒核雕为主，配以红线，可挂在颈项或腰间佩带，也可挂在衣服、折扇上，坠件表现形式丰富，人物有仕女、观音等，还有花鸟、龙凤、山水植物等；三是摆件式，即将核雕镶嵌在象牙或红木底座上，供人玩赏，尤其是核舟，更以巧夺天工而名震四方。
篇3
二、现代造型艺术中汉代雕刻应用
（一）汉代雕刻对现代造型艺术的启示
针对作品属性变迁和现代艺术定义的时空关系，我们会将汉代雕刻看成一件古老的造型艺术精品，如霍去病墓中守墓的石兽具有彰显威仪和警示的作用，但是用现代的方式和思维进行归类和诠释，就是在生命力延续的节点上，主观分析相对静态。因此，在汉代雕刻对现代造型艺术的启示上，我们有必要以汉代雕刻“写意精神”为出发点。首先，从某种意义上来说，汉代雕刻本身就是优秀的设计作品。因此，传统的汉代雕刻对现代造型的研究具有历史性的借鉴价值，汉代雕刻文化艺术及生活状态为现代造型艺术提供了直观的视觉信息，为现代造型艺术的发展历程提供了有力的佐证。其次，汉代雕刻艺术为现代造型的思维创新提供了进一步拓展的思考。作为艺术从业者来说，由于文化背景的差异，我们对西方现代设计的判断是有误差的。因此，我们可以从身边的传统题材中汲取精髓，如汉代雕刻深化了其自身表述功能的有效性，巧妙地借用了自然环境对造型作品的选择性和包容性，因此我们可以借鉴汉代雕刻的这种创新思维。另外，汉代雕刻艺术为现在造型艺术提供了一条可操作的模式，具有自己独特的艺术价值的判定和专业方向的定位，从“古为今用”的角度出发，汉代雕刻艺术产生了一种超出本身价值局限的外延含义，并且使这种艺术的时效性延伸到了更加强大的艺术张力。因此，现代艺术与传统遗存的内在联系，从更为宽广的角度和高度上，让我们重新判定传统雕刻的价值，重新审视传统对现代造型艺术的借鉴助推作用，从而使传统的回归成了一种可能，注入了新的血液。
（二）汉代雕刻在现代造型艺术中应用的途径
篇4
中图分类号： TQ174.6+4 文献标识码： A 文章编号：
1砖雕的发展历程
中国砖雕艺术最早可以追溯到春秋战国时代，当时的砖雕仅仅是简单的模印花砖、地板砖等，且雕刻数量少，雕纹粗糙。至秦汉时代，砖雕已经有了初步的发展，“秦砖汉瓦”不仅形体巨大同时制作规整，雕纹也更精美。
两汉时期的调转内容全面继承了秦代传统，在秦汉雕绘的基础上又加入了历史故事、庭院建筑、现实生活等雕刻题材从而丰富了砖雕的艺术风格和内容形式，让砖雕艺术的发展迎来了中国砖雕发展史上第一个小艺术高峰。
魏晋南北朝时期砖雕制作呈现低迷状态，既没有汉代画像砖的生机活力，也缺乏后唐宋砖雕的豪迈大气，这一时期的砖雕艺术基本处于停滞状态。到唐朝，经济的发展以及民风开放重新赋予了砖雕艺术新的活力，砖雕艺术也得到了很大的发展，在河南安阳修定寺和大明宫遗址出土的唐代画像砖不仅雕刻内容丰富生动，且雕刻富有层次，人物花鸟生动形象。
至明清时期，随着商品经济的发展，以及当时社会经济实力的雄厚更是让砖雕艺术迎来了其发展的黄金时代。在长达两三百年的明清统治时期，各地域都形成了属于自己的风格迥异的砖雕风格。较著名的有徽州砖雕、苏州砖雕、广东砖雕、北京砖雕等。
而在这些派别中又以安徽南部地区的徽派砖雕最负盛名。下面笔者就以徽州砖雕为代表就砖雕艺术对现代装饰设计的影响和具体应用进行简单介绍。
2砖雕艺术的思想发扬和工艺传承
中国传统文化以儒家文化为主，徽州的建筑装饰就是儒家思想的一种民间体现。因为徽州建筑内容都选用“二十四孝”、“卧冰求鲤”、“百子闹元宵”、“苏武牧羊”为雕刻内容，作为一种载体形式，其蕴含着丰富的中国传统文化。
另外它在雕刻过程中还将儒家传统文化和程朱理学融合在一起，让雕刻内容更加丰富多彩，形式更生动多样。此外，徽州砖雕的艺术特色也颇受当地文人和画家的影响。例如徽州最具代表性的便是“新安画派”，因此很多建筑装饰在安排画作时也都采用新安画派的作品。
徽州雕刻题材丰富多样，雕刻题材结合不同房主的需求而衍生出不同主题的雕刻画面和雕刻内容。但几乎所有雕刻内容都呈现出朴素、原始、自然的古文化底蕴，同时雕刻过程中，艺术家们也总能将设计理念的表象和设计本质融合在一起，从而达到审美和内涵的双重要求。
徽州砖雕艺术是古建筑文化在民间的凸显，其对今天的雕刻艺术甚至是现代建筑装饰设计也有很重要的影响。因为徽州雕刻经过几千年的艺术沉淀和技术经验积累，有着独特的雕刻手法，传统的雕刻手法包括线雕、浅浮雕、圆雕、透雕等。不同建筑可以结合自身特色选择不同的雕刻手法，从而呈现出不同的雕刻艺术形象和特色。
徽州雕刻具有很高的艺术价值，其雕刻手法多样，雕刻构思新巧，很多徽州雕刻艺术都可算作民间艺术的典范。且其在雕刻选材中不仅注重其新颖趣味，更注重题材本身的内涵和象征意义。很多雕刻会借用一些吉祥造型并通过巧妙的雕刻手法将装饰中富含的意义表达出来。
经过多年的文化积淀和发展，传统的建筑装饰设计不仅要坚守传统特色同时也融入了新时代元素，现代很多雕刻都融入将宗教思想和中国传统文化结合在一起，为雕刻创建出一套新的创作思想。且随着时代的发展，徽州砖雕也实现了“新技术”和“新题材”两个方面的突破。“新技术”主要是指砖雕采用了新的加工手法，“新题材”则是体现在新时代雕刻在选材时运用了具象写实和大胆自由发挥等新颖题材。
3徽州砖雕建筑装饰设计的人文价值和其对地域文化的影响
徽州建筑不仅受中国传统大众文化的影响同时也受徽州人文和地理的影响。且徽州雕刻因受中国传统儒家和程朱理学文化的影响，雕刻品总呈现出儒雅的文化气息。雕刻家门在雕刻时将自然事物和现实事物完美结合在一起，表达了人们对天人合一的追求。
同时雕刻在设计时也是本着自然和现实结合、装饰外形和内涵统一的设计理念。古代徽商常会在事业有成时衣锦还乡，而返回家乡的徽商也会出钱修建家族宗祠和祠堂来昭示自身事业的成功以及家族的兴旺。
因此徽州雕刻很多时候都是民间风俗文化、商人文化、历史文化的体现和融合，没有徽商的帮助，也不会有存留至今的精致的建筑和雕刻。由于古代封建等级严格，因此即使徽商经济实力雄厚也不能建造华丽壮观的建筑，因此徽州建筑多以外观简单大方，内部构造精致，建筑装饰华丽为主。这种环境给徽州雕刻提供了绝佳的发展机会，与此同时，新安画派、徽州篆刻等的蓬勃发展也丰富了雕刻的手法和内容，让徽州雕刻呈现出了更真实、全面的社会人文。
徽州是中国具有独特性和典型性的地域，其融合了南方和中原的装饰艺术和文化。因此徽州文化有着浓厚的地域气息同时也反应了中国的大众文化。徽州雕刻运用灵活，不同的建筑、不同的部位雕刻内容和表现形式都有差异，几乎每个雕刻位置都有其独特的雕刻风采。徽州雕刻不仅仅是当地文化的呈现，同时也是各地文化的融合，所有雕刻建筑都含有浓厚的文化和地域气息。
4徽州雕刻对现代建筑装饰设计的应用和意义
余志坚先生对现代建筑的解释是：“现代建筑装饰有别于一般的建筑装修……，前者是根据建筑物的使用性质和所处环境以及相应标准，运用技术手段和建筑美学原理，创造舒适优美、满足人们物质和精神文化需求的室内环境。”随着经济发展以及科学技术的进步，现代建筑装饰也得到了很大程度的发展。而起发展更是推动了现代技术的进步并带动了工业、电子行业的发展。
各种装饰材料的“接踵而至”让人们在建筑和雕刻材料的选择上有了更的大的空间。结合人类对绿色环保型社会环境的号召，绿色环保化装饰材料应用而生。且随着人们生活水平的提高，现代建筑装饰和装修也成为了人们关注的热点话题。
但在这个“快餐”文化盛行的多元社会中，人们过于注重装饰的华丽而忽略了材料本身的环保性。因此即使时代在不断进步，我们也应当认真学习古代装饰中材料的选择方式，让现代建筑装饰能够更加创新、富有内涵。古徽州建筑雕刻主要包括三个设计特征：
4.1徽州建筑在选择建筑装饰时并不单单注重外表而更注重雕刻本身的内涵和意义。不同的雕刻部位会雕刻不同主题，不同的家具类型也会呈现出不同的雕刻形象。简单的说，就是能够通过雕刻装饰的表面来凸显雕刻内在的价值和意义；
4.2古徽州雕刻融合了传统儒家文化和当地风俗民情，富含这很深的文化内涵，具有顽强的生命力。不同的雕刻结合房主的意愿和不同地方的民情被赋予了不同的文化含义，例如一些房屋采用了将八仙图和文房四宝结合的雕刻方式，从而体现了房主希冀自己的子孙后辈能够各显神通；
4.3徽州雕刻将社会现实、经济发展、艺术和文化融合在了一起，记者相互推动发展，铸就了徽州雕刻文化的辉煌。
现代建筑装饰和传统徽州雕刻之间有很深的关系。在文化层面上，现代建筑装饰融合了东西方宗教、不同地区的民族和不同国家的文化，而传统徽州文化则传承了传统儒家文化和朱理阙学、新安画派等。
无论是传统徽州文化还是现代建筑装饰都有着自己的理论基础和创新之处，两者相辅相成，互相促进共同进步。在技术层面上，传统的徽州雕刻经过了几千年的文化沉淀和技术经验积累有着多样的雕刻手法和精湛的雕刻技艺，可以形象生动的利用雕刻外形凸显出雕刻的内涵和价值，但是传统雕刻都是纯手工制造而成的，虽然制造工艺精细，但是耗时长，制作成本大。
现代建筑雕刻运用了现今的技术手法，在结合了东西方雕刻技艺的基础上，在雕刻内容和风格上融入了西方宗教文化，可以说，现代建筑装饰时传统雕刻装饰的升华。
经济的发展以及经济全球化进程的加快要求人们能够创造出更多多样化的文化来满足人们的精神需求。徽州传统雕刻文化的质朴感和现代人们强调的“回归自然”不谋而合。现代建筑装饰将传统雕刻艺术和现代建筑环境以及风格结合在一起，在抱着了现代建筑气息的前提下又营造除了独树一帜的雕刻风采。
由此可见，将徽州建筑雕刻艺术融合到现代建筑装饰设计中至关重要。且在现代建筑装饰选择中，人们对中国传统文化的保护和传承也越来越重视，很多现代建筑装饰都糅合了中国传统元素，而徽州雕刻装饰效果即使在现代建筑中也有很好的装饰效果。
5结语
在现代建筑装饰中，我们将雕塑中的艺术手法和雕刻主体提取出几个标志性元素，并广泛将其应用在建筑的各个领域中。这样的建筑语言不仅更加丰富多样且传承了中国传统文化，具有了深厚的文化底蕴。同时在提升传统民族文化的同时，现代建筑装饰也提高了建筑的外在形象品质和内在底蕴，这两者的融合统一，才是现代建筑装饰发展的主流趋势。
参考文献：
篇5
一、中国木雕的历史
著名的美学家宗白华先生曾说过，西方的绘画脱胎于雕刻，古希腊的雕刻决定了西方传统绘画的基本观念。中国的木雕艺术起源于新石器时期，早在浙江余姚河姆渡文化时就已出现木雕鱼，秦汉时期木雕工艺趋于成熟，魏晋南北朝时期，一批从事“审美创作”的匠人，开始从传统工匠中脱离出来从而置使了木雕工艺的艺术化，但木雕工艺并没有因为它的“艺术化”而脱离实用性的要求，经唐宋至明清木雕工艺逐步完善，作品也日趋完美。木雕工艺在春秋战国时就已分为装饰木雕，木俑，宗教造像，礼祭等不同行业方向。秦汉时，木雕工艺在继承春秋时期的基础上有了较大的发展；自唐宋期起木雕越来越多的被运用在亭台楼阁，庙宇以及民居装饰中；至宋代，随着政治经济文化重心的南移木雕工艺发展受到南方影响，无论是在建筑外观还是细部装饰上都深深地印上了南方温婉，细柔的烙印，出现了重楼飞阁。北宋晚期《营造法则》的出现，雕刻的工艺有了系统化的标准。木雕工艺在明清达到高峰。雕刻木俑不单作为殉葬品也随着戏剧的发展被塑造成了活动的木偶。而在现在大多的木雕建筑都被钢筋混凝土代替，虽然木雕装饰的实用价值再减退但它的装饰价值、艺术价值和文化价值却在与日俱增。
二、中国木雕装饰艺术特点
1、中国木雕的艺术特点
中国木雕具有以下艺术特点：①取材方便。除坏掉的树木和非常松软的木材之外，大部分木材都可以用于木雕艺术中。②非常容易加工。一般的木制工具和雕刻用的刻刀即可，不需要特殊工具。③可展现得题材很多。人物、飞、禽、走、兽等无论是抽象，形象或者意象都是可以。④表现形式也是多样化的。浮雕、圆雕、镂空雕、双面雕等均可。⑤实用性强。除纯粹的木雕工艺品，还可对木制家具、驻台、门窗，梁柱装饰雕刻。⑥成本相对比较低。
2、古代木雕装饰工艺的文化意义
中国传统的木雕工艺同时具备物质属性和文化属性。在古代漫长的小农经济结构里，传统的木雕工艺在被匠人“艺术化”之前是工匠赖以谋生的艺术手段。随着时代的发展和人们对物质生活的要求提高，传统的木雕工艺在市场的要求下，使一部分匠人不再只注重技术精湛也开始追求造型美和形式美。木雕工艺开始在实用性的基础上逐步的艺术化，木雕开始展现出它珍贵的人文价值。木雕装饰艺术品与其他各种装饰艺术品一样,都是因为人类的文明开始产生而开始产生的，只是一开始是人类觉察不到的一种不自觉地行为,直到人们有了美丑观念,木雕才逐渐成为一门真正的艺术。许多匠人开始借木雕表达审美理念作品并且注重作品的独立性、工艺性，使作品带有浓郁的地域色彩和独特的审美倾向。这些木雕作品中大多都体现着儒家思想。大多匠人用隐喻含蓄的表现手法将自己的美好期许寄于木雕作品中并与儒家主流文化中的“修身、齐家、治国”理念相融。例如，孝有《二十四孝》，忠有《岳母刺字》，耕读仕进的有《状元及第》。
三、木雕与当代艺术的关系
1、当代木雕艺术的特点
中国的现当代艺术兴起于90年代，木雕作为古老的艺术，它是社会生活的反映，因而它属于某一社会经济制度所反映的的上层建筑，新中国的木雕艺术也在随着上层建筑的变革和探索变化发展着，直到改革开放后，中国的当代木雕艺术也随着城市化的出现逐渐稳定兴盛。但毋庸置疑的是由于国内的洗礼和自西方文艺复兴后，整个世界艺术西方化的趋势导致了中国的当代艺术也深深的烙上西方的烙印。这是历史合力的结果，无论里面惨杂了多少的欢喜和无奈。相对于其他雕塑而言，木雕一定算得上是传统工艺上的艺术瑰宝，有着悠久的历史与文化底蕴。当代艺术中的木雕作品，在继承了传统工艺的基础上又汲取了一些西方和非洲的木雕艺术工艺。即保留了中国传统工艺文化，把优秀的工艺传承下去，又大胆创新，让传统木雕现代化，不仅加强了木雕的家装实用性更发展了它的装饰性和艺术性，使人眼前一亮。
2、现代木雕艺术的艺术精神
中国古代的木质雕塑虽经历了荣枯兴衰，浮沉流变但也真实的反映出了中国文化的某些特质。木雕仅是具有装饰价值更重要是它所承载的思想性。在当代艺术的发展潮流下，一些独具想法的艺术家把传统的木雕装饰艺术融入到自己的创作之中。将自身的想法赋予到创作作品上既能体现创作灵魂又能体现传统文化。每一种艺术形式都有它最适合表现的题材，木雕由于其实体性的特征，由于材料自身的静态性，在艺术题材的表现范围上有很大的艺术局限性但可视可触的立体艺术形象也决定了它可以更好的反映社会生活和时代精神。例如，意大利艺术家Broun的人体木雕作品用细腻柔和的线条将人物刻画的简单干净，尤其是眼神部分的刻画，低垂的双目，反思的眼神。作品的意义完全在于每位观者与作品的眼神交流后所领悟的自身意义。所以说，雕塑的在当代艺术中的文化价值不仅仅是在于雕塑本身的美学价值而更在于每一座雕塑背后所反映的文化思考。杨茂源的雕塑作品《lookinside》，通过打磨，抛光棱角，将原形做了圆滑的修改。以圆滑代替棱角，打破了欧洲以圆为美的艺术观念，利用中国哲学对和谐美的观念提出了对于单纯的复制西方雕塑艺术的反抗。不同的木材蕴含着不同的个性，我们要感受不同的木质内在，雕刻要做的是不能仅仅只是雕刻雕刻而是要巧妙地把那些隐藏在树皮里的肉感展现出来，要通过感受再用雕刀将木头本身的艺术性发挥出来。王克平的每一件木雕无论是《沉默》，《万万岁》还是《偶像》有包含他自己情绪思想，都在强调文化以及思想性的重要性。艺术品的的优劣不在于艺术技艺的精湛，也不在于工艺的精美，而是作品本身所要体现出的文化内涵是否可以引起大众的共鸣。木雕艺术作为中华古老文化的表征和符号，它应当以丰富的艺术表现形式在当代公共艺术中来诠释木雕工艺千年来的艺术文化。我们不能因为世界的趋向而放弃民族的文化，一味盲目的追随时代潮流而是应该思考如何在时代潮流中继承和发展自己的民族文化，应该将中国传统的文化艺术与当代艺术相结合，迸发出来新的灵魂与文化韵味，使传统艺术现代化，让中国的当代艺术具有鲜明的文化个性。
作者：潘笑靓 单位：山西大学美术学院
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竹簧工艺是我国竹艺术中的一个特殊品种，也是我国重要的非物质文化遗产。据《辞海》（1999年版）之“竹部”：“竹簧工艺，亦称翻簧（又称反簧、贴簧、文竹等）。中国民间工艺品之一。把楠竹锯成竹筒，去节去青，留下薄层的竹簧。经过煮、晒、压平后，胶合或镶嵌在木胎上，然后磨光，再在上面雕刻各种人物、山水、花鸟等纹样。产品以实用的茶叶罐、花瓶、首饰盒、文具盒、屏风等为主，色泽光润，类似象牙。主要产地有浙江台州、湖南邵阳、四川江安等地。”
竹簧工艺起源于湖南邵阳，至迟在清代康熙年间即已出现竹簧制品，并在乾隆以后得到了快速的发展。它的发明与产生，既打破了原来单一的以原竹为载体材质的传统竹艺，同时也带来了竹刻技艺的丰富与拓展，可以说在一定程度上引发了对竹艺载体材质和竹刻技艺的一场深刻的革命与创新，有着特定的革新意义。
1、竹艺载体材质的革命与创新
我国以竹为艺的历史十分悠久，长期以来随着人们对竹类认识的不断深化，通过利用竹青、竹筒、竹片、竹根、竹篾、竹枝、竹簧等进行艺术加工，创造出了中华民族几千年来丰富多样的竹艺术（主要包括竹刻艺术和竹编艺术）。
在我国竹刻艺术史（指传统竹刻）上，从《礼记・玉藻》中记载的西周时期的带有纹饰的竹制笏，到湖南长沙马王堆出土的汉代“浮雕龙纹髹漆竹勺”；从唐代的雕人物花鸟纹的“尺八”竹笛，到宋代詹成所雕刻的鸟笼，再到明清时期用竹筒、竹片雕刻的笔筒、香筒、笔床、臂搁、扇骨、笔洗、杯、壶、盒、炉，以及用竹根雕刻的人物、动物摆件等各式各样的实用品和艺术品，均是以竹筒、竹片、竹根等单一的原（圆）竹进行雕刻的，均是对原（圆）竹材质直接进行的艺术加工。因此，从本质上讲，并没有突破单一的原（圆）竹材质，也没有从根本上打破原（圆）竹雕刻一统竹刻艺术的单一格局。
至于竹编艺术，无论是数千年来人们利用竹子编织而成的各种竹篮、竹筐、竹篓、竹席、竹盘、竹盒，还是近现代以来逐渐盛行的竹编动物以及大型竹编装饰品，尽管它们是先劈竹成篾，然后再施以编织，但仍属对原竹进行的简单加工，并没有改变原竹的本来面貌，故其与原（圆）竹雕刻一样，均未超越单一的以原（圆）竹材质为载体的范畴。
而至迟起源于清初的竹簧工艺，它的发明与产生，正式标志着原来单一的以原（圆）竹材质为载体材质的传统竹艺一统我国竹艺术的格局被最终打破。因为，与原（圆）竹为载体材质的传统竹艺直接在原（圆）竹上进行艺术加工不同，竹簧工艺并非简单、直接的在竹簧上施以艺术加工，而是先经过一系列诸如取簧、蒸煮、压平、整边制片、制簧胚成型、贴簧等制作工艺流程，然后再施以雕刻才最终形成的一种相对全新的艺术形式。故竹簧工艺可以说是对竹簧材质进行了一系列的深度加工，从某种程度上已经改变或至少部分改变了传统竹艺载体材质的本来面貌，从而把整个竹艺术拓展和引导到了一个有别于传统竹筒、竹片、竹根、竹篾为载体的新的领域，也由此打破了原来以原（圆）竹直接进行艺术加工的传统竹艺一统我国竹艺的单一格局。因此，这在一定程度上可以说是引发了对竹艺，尤其是竹刻艺术载体材质的一场较为深刻的革命与创新。
2、竹刻技艺的丰富与拓展
竹簧工艺所带来的革新意义，除了体现在其对竹艺载体材质本身的革命与创新之外，亦体现在其对竹刻技艺的丰富与拓展。具体表现在：
首先，这场变革，大大丰富、拓展了竹刻艺术品的造型与规格。由于传统竹刻艺术品受原（圆）竹材质的限制，在一定程度上制约着其形体多样性的塑造，使得其在造型上较为简单。而竹簧工艺由于其特殊的加工制作流程，因而在造型上可根据现实的和艺术的需要，制作出各式各样的诸如圆形、方形、矩形、菱形、球体、方体、异形器等规则或不规则的平面造型和立体造型。故宫博物院所藏清代“竹簧御提天地同春食盒”、近代湖南邵阳地区的“竹簧阴刻山水图异形花瓶”、“竹簧仿西周豆形器食盒”等竹簧制品，其造型均是传统竹刻艺术品所无法实现的，故可以说其在造型上实现了重大突破。而在其规格上，竹簧制品可根据需要创作出规格不等、大小各异的竹簧工艺品，这与以往的原（圆）竹雕刻在规格上受到材质本身的较大限制相比，可以说同样具有重大的突破。因为竹簧工艺品不但可以制成小型艺术品，而且可以通过多块簧片拼贴的方法制成大型艺术品。如湖南邵阳治簧大师曾剑潭等人于1959年为人民大会堂湖南厅刻制的八幅长六尺、宽二尺的竹簧作品“潇湘八景”，如此规格的艺术品在传统竹刻中也是难以达到的。因此，这与原（圆）竹雕刻相比，在艺术品的规格上，亦实现了重大突破。
其次，在表现题材上，大大深化、丰富，甚至部分拓展了传统竹刻的表现范畴。由于原（圆）竹雕刻大多受材料限制而采用因材施艺的方法，很难表现大幅场面的题材，这就使得大多诸如山水景观之类题材的竹刻作品往往只能表现山之一角、水之半边式的半景山水或局部山水。尽管也曾出现过少量表现全景山水的竹刻作品，也只是小幅画面的相对式的全景山水，或是经过高度抽象、概括、提炼了的全景山水。而竹簧工艺由于在造型和规格上均实现了重大突破，故可大大突破原（圆）竹材料的诸多限制，能够充分表现复杂多样的题材，包括大型场面的题材画面。如“”期间由湖南邵阳竹艺厂创制的长2.3米、宽1.2米的“竹簧挂屏‘韶山银河’”，较为全面的展现了“韶山灌区”的面貌。这不仅是一幅在规格上堪称巨型的竹簧作品，同时也是一幅表现大型场景题材的艺术品，而这正是传统竹刻作品无法实现或很难实现的。因此，从这一角度可以说明，竹簧工艺在一定程度上深化并丰富了竹刻艺术的表现题材。
再次，这场变革，伴随着将整个竹刻艺术拓展和引导到了一个有别于传统的竹筒、竹片、竹根雕刻的新的领域，由此也摸索产生出了一些新的雕刻技法，进一步拓展了竹刻艺术的表现手法。由于以往的原（圆）竹雕刻所采用的表现手法主要为线刻、浮雕、透雕、圆雕、留青等传统的表现手法，而竹簧及竹簧工艺的发明与产生，使得治簧艺人能够根据竹簧本身材质及工艺的特性，在继承传统竹刻表现手法的基础之上，创造性地探索出了一些如叠簧雕等合乎竹簧材质及其工艺特性的表现手法。这些相对全新之表现手法的出现，在一定程度上深化并拓展了我国竹刻艺术的雕刻技法，亦具有其特定的革新意义。
通过以上我们可以看出，竹簧及竹簧工艺对包括竹刻艺术在内的整个竹艺术所带来的，不仅仅是一种有别于传统原（圆）竹材质的新的载体材质，而且是在一定程度上引发了竹艺载体材质和竹刻技艺的一场深刻地革命与创新，有广泛而深远的革新意义。
参考文献：
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“活体树雕”，顾名思义，就是在活的树上雕刻。在树上雕刻出各式各样的图案，并刷上一层金漆，看起来很有生气，但是这种“个人”的艺术行为被批为“残忍艺术”。谈及“残忍”，根本点在于雕刻艺术是在枝繁叶茂的树上完成的，而且据了解，被雕刻上图案的树木的死亡率很高。
雕刻确实是一门艺术，那么将“活体树雕”行为定义为“残忍”是否为过？这无从定论。笔者认为，既然标榜为艺术，就应遵循自然的法则，珍爱生命，敬畏自然，不应以牺牲树木生命为代价。其实，岂止是艺术，世间万事万物哪一个不应顺应自然、推崇自然？艺术家更应热爱自然、尊重自然。艺术的创意绝非刻意而成，要以“自然”为法则，方为艺术之大成。
篇8
这位雕塑家相信大家多多少少都听过他的名字，是于达芬奇和拉菲尔·桑西并称的文艺复兴后三杰，也是先后创作出《大卫》《创世纪》等代表作品的意大利文艺复兴时期的著名雕塑家、建筑师和绘画家。
2.奥古斯特·罗丹
奥古斯特·罗丹这位出生于1840年法国雕塑艺术家，是受到多那太罗、米开朗基罗等人作品的影响，以《思想者》《青铜时代》《加莱义民》和《巴尔扎克》为主要代表作品对欧洲近代雕塑有着较大影响的欧洲雕刻三大支柱之一。
3.安东尼奥·卡诺瓦
这位出生于1757年意大利威尼斯的新古典主义雕塑家，是以《拿破仑之母》为主要代表作品的著名雕塑家，并曾在1802年为拿破仑制造其塑像，卡瓦诺将其塑造成了胜利者和赐予和平的希腊神。
4.乔凡尼·洛伦佐·贝尼尼
这位出生于1598年的意大利雕塑家、建筑家和花价、是在雕塑和建筑设计中有着显著成就的十七世纪最伟大的艺术大师，并以《阿波罗和达芙娜》《大卫》《普鲁托和帕尔塞福涅》为主要代表作品。
5.阿历山德罗斯
这位曾在公元前150年创作出《断臂的维纳斯》大理石雕塑作品的古希腊雕刻家，其雕刻出的这幅断臂的维纳斯雕塑作品虽然没有双臂，但这个端庄秀丽的希腊雕塑作品却充满着巨大的艺术魅力。
6.亨利·斯宾赛·摩尔
这位曾生活在1898年至1986年间的英国著名雕塑家，是以大理石雕塑作品和大型铸铜雕塑而闻名于世的二十世纪最著名的雕塑大师之一，目前以斜倚的人性、家庭群像和王与后为这位国宝级雕塑大师的代表作品。
7.菲狄亚斯
菲狄亚斯这位曾创造出世界七大奇迹之一的宙斯巨像和巴特农神庙中的雅典娜巨像的最伟大的古典雕刻家，虽然两幅雕刻作品的原作都已被损毁，但这位擅长神像雕塑的雕刻家，还曾领导设计和建都帕提农神庙的装饰性雕塑。
8.康斯坦丁·布朗库西
这位出生于1876年罗马尼亚的著名雕塑家，是先后创作出《吻》、《睡着的缪斯》、《麦尔斯特拉》等富有简洁抽象美的雕刻作品，也是曾获得罗马尼亚学院奖的20世纪最具原创性的重要雕塑家。
9.弗朗索瓦·吕德
这位出生于1784年，于浪漫主义画家德拉克洛瓦、雕刻家乌顿与罗丹等人齐名的法国浪漫主义雕塑家，是曾为巴黎凯旋门打造了《马赛曲》这幅著名群像浮雕作品的法国雕塑家，还曾分别在1809年和1812年两次获得罗马奖。
篇9
微雕创作面积极小，没有相当的功底和熟练运用微雕工具的技能是难以完成的。雕刻时要屏息静气，神思集中，一丝不苟。微雕十分讲究画面和章法的艺术，“意在精”。虽然微雕细微到无法用肉眼辩认，但在放大镜下仍然十分精美，宛如大幅的书画精品。
早在文字诞生之前，人类就已开始使用图形符号来传情达意，新石器时代的彩陶纹样与刻绘在崖壁上的岩画刻符都记载下了人类最初对自然界的认识与理解，以及他们当时内心的需求与期盼。德国考古学家在德国西南部的一个考古遗址发现了世界上最古老的艺术品――三个雕刻精致的象牙微雕。其年代可以追溯到大约30000至33000年前，与最古老的洞穴画属于同一年代，对于研究现代文化的起源具有重要价值。这三个微雕：一只水鸟、一个马头和一个狮人。微雕用远古时代的猛犸象牙雕刻而成。每个微雕大约有2.5至5厘米高，雕刻技艺高超、手法精湛，水鸟身上的羽毛以及马头上的嘴、鼻和眼睛都雕刻得非常精细，栩栩如生，令人拍案叫绝。中国的微雕发现最早是在甲骨上刻画文字符号，用于帝王祭天，后作为工艺品得到发展，清十三朝皇帝皇宫造办处有专门制作微雕的工匠。现代微雕发展得到国家的重视。今后微雕艺术发展出路何在?笔者以为：
一、微雕需要理论指导
微型雕刻虽然在长期的实践中摸索出很多宝贵的经验。但微雕至今还没有一个系统的基础理论体系。微雕在理论上的含混不清以及在价值判断上的标准缺失。使微雕的发展处于无序的状态。当代微雕正处于一个发展过程之中，它的现状决定了未来是否可持续发展。因为当代微雕的发展已经面对了现代化社会，已经触及了现代化的当代文化，而在过去的几十年里的实践摸索中，也积累了一定的得失经验，现在需要的是理论上的总结，需要有一人明确的发展方向，理论建构有着积极的现实意义。
二、微雕需要创新精神
微雕作品在材质、雕刻工具、运笔力道上都有很高的要求。首先材质要求绝对精纯。其次微雕精度决定雕刻刀具的特殊性。第三，雕刻时主要凭感觉运刀，靠深厚的功夫，凭丰富的经验完成创作，人们又称之为“神刻意雕”，作品具有“微中藏世界，石上读华章”之妙趣。第四，临场要屏息凝神，集中意念，毫厘千钧，一气呵成。第五，运刀有力，要稳、要准。只有这样，才能使书法和刀法笔意达到完美的统一。
微雕的创作要反映时代。当今社会节奏加快，这种状况必然反映到艺术上来，微雕艺术用生动并且具有神秘性的形象美，来反映人们对社会生活的理解，运用比例变化、面积大小来体现不同的艺术效果。如乐山大佛用其大见奇。而微雕米粒大的乐山大佛则以小而精取胜。新的观念与思维方式的导人为我们重新审视传统文化观念提供了更多的思考。而新技术新材料的出现也为作品的再创作提供了更多的可能性。所用材质也需要不断创新。远古时期用的是甲骨雕刻，后来发展有核雕、贝壳雕、象牙雕刻等，现代微雕又有很多新的材质，比如黄金、白玉、还有很多名贵的印石，尤其是玉，使微雕艺术越来越为人们热爱，越来越被艺术家、鉴赏家、收藏家重视。
现代社会的开放程度足以使我们的艺术观念得以多方面、多渠道的更新。作为一门有着悠久历史的艺术，无疑将受到当今各类艺术思潮、艺术形式的影响。这种种来自于其它艺术的冲击波，必将对微雕本身产生综合效应。如设计艺术中的三大构成体系：平面构成可以通过点、线、面的空间组合来给人一种视觉冲击力；色彩构成可以借助颜色的色相、明度、纯度规律把握整个画面的和谐统一：立体构成可以运用材质正、立、侧面的构架来给人一种三维空间的展示，这些元素。都可以有选择地运用于微雕的创作中，如字内外空间的分割、打散、拼贴；作品底纹色彩、肌理在视觉心理上的调和作用等等。
三、微雕需要政策支持
任何一种文化产业，都需要政府的大力支持。近年来，微雕艺术在众多传承人的努力下，得到了国家的重视，安徽省也首次评选“工艺美术大师”。这一举措，会给微雕行业带来很大的激励，但光靠这一点是远远不够的，在以后的发展中还需要政府加以扶持。
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关键词：宗教 艺术 浮雕
在艺术史发展过程中宗教元素一直伴随而来。我们把宗教与艺术，放到整个人类发展历史上公正地看，就不难发现，宗教和艺术之间，存在着许多内在的联系。有人认为原始人对宗教的信仰和崇拜，是原始艺术产生和发展的直接原因。了解宗教和艺术的关系，可以让我们更加认识宗教艺术遗产和现今的宗教艺术，对认识宗教和艺术这两种意识形态的特殊性，也具有一定的理论意义。
一、宗教是原始艺术产生和发展的直接动因
艺术与宗教，在起源时就紧密地联系在一起。今天看来属于艺术活动的许多东西，如歌舞、绘画、雕塑、建筑等，在当时却主要是一种宗教活动，而不是单纯审美活动。原始人对宗教的信仰和崇拜，是原始艺术产生和发展的直接动因。
洪野荒蛮的时代，面对那不可理解又不可抗拒的大自然，已经与动物分手而能运用工具、使用火的原始人，便在原始的自意识中萌发出宗教的意识以及原始艺术的意识。当旧石器时代尼安德特人埋葬死者时，在尸骨的周围安放几只羚羊的角，或黄鹿的角，或几件燧石器，它便已具有了宗教的意识与宗教的仪式，这种仪式在当时也便有了宗教艺术的萌芽；当山顶洞人在尸体的周围撒上铁矿粉末，以及用这种赤铁矿粉末去染抹各种穿孔的骨坠、兽齿等装饰物时，它也同样具有了宗教艺术的雏形。
原始宗教对原始艺术的产生和发展，起了巨大的催化和推动作用，成为艺术起源直接的、生生不息的主要原动力，这已是不争的事实。宗教和艺术之所以从诞生之时起，就如孪生兄弟手拉着手地来到人间，其主要原因在于，宗教和艺术都是原始人为了“掌握”世界和“掌握”自己而进行的实践活动，它们是一件事情的两个方面。从这个意义上讲，艺术与宗教都起源于原始人的社会实践与混沌意识。在原始时代，原始宗教、原始艺术本身又是原始生产活动中的一个不可缺少的环节，生产、宗教、艺术往往是三位一体混融在一起的，原始宗教与原始艺术本身既是原始人社会实践的一部分。这种实践行为的混融性便决定了思维意识的混沌性。艺术正是这种混融性实践与混沌性思维的产物。
二 、浮雕的起源与发展
人类的物质生活，往往影响到精神上的表现。在远古时期，原始人类用颜色和线条来表现狩猎采集生活所接触的自然对象，把它们描绘成平面的绘画，以表达人们对这些事物的关切。当人们发明线刻，意欲以岩石等硬质材料固定和保存这些形象时，最初的浮雕便产生了。
原始时代的岩画、线刻，无论是模拟自然的写实物象或是装饰性的图案，其描写方法或造型模式多大同小异。尼罗河流域及地中海东部，各洞穴中所发现的线刻，其方法皆是先大略勾勒外面的形廓，然后予以着实的描写并刻成线形。随制作工具的发展，浅浮雕性质的岩刻也受到相应的促进。中国北方的原始游牧民族在绵延千里的阴山山脉，留下了大量记载他们生活历史的岩刻（或岩画）。这个地区的岩刻特点是，写实性强，多以牛、马、山羊、鹿、虎、豹等野兽和家畜为题材；原始艺术家们将图形绘于致密光洁的黑石上，后用专门磨出的尖锐硬石刻出图形，成为石刻浮雕艺术的早期表现。
原始社会解体以后，浮雕艺术逐渐走向繁荣。
三、宗教理念对浮雕艺术的影响
人类最早出现的雕刻艺术，也与原始人的生殖崇拜有关。在各民族中，最早的人物雕像皆为女性裸体雕像，被研究者称为“史前维纳斯”。这些雕像，差不多都被忽略了脸部、四肢和五官，而与生殖相关的胸部、腹部、臀部，却被极度地夸大和强化了，表现得特别肥大。这一形态，体现了原始人对女性或神秘生殖力崇拜的观念。我们从这些雕像中，可以看到雕刻艺术的最古老的源头。
中国社会进入奴隶社会后，浮雕艺术以装饰形式在礼仪性器物上获得突出的成就。特别值得一提的是商周青铜器上的浮雕装饰纹样，它“以怪异形象的雄健线条，深沉凸现出的铸造刻饰，恰到好处地体现了一种无限的、原始的、还不能用概念语言来表达的原始宗教感情、观念和理想。”（李泽厚语）“饕餮”纹是中国古代青铜器上最有特色的一种浮雕装饰样式。作为平展的兽面纹，它以鼻为中心，向两侧展开，形象十分地图案化，雕塑技法的运用使之在器表的平面上表现出一种浑厚、凝重的立体效果。中国古代浮雕艺术的繁荣，集中体现在汉画像石、画像砖以及魏晋以后佛教造像与陵墓建筑之中。两汉时期为数众多的画像砖，是中国特有的浮雕艺术样式。它把叙事性和表现性统一起来，以生动的情节和传神的塑造，对当时的社会风俗、生产生活场面和神话故事予以形象的描绘。体现了中国人特有的审美观和聪慧才智。
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在古典红木家具的制作工艺中，雕刻在装饰手法中占有首要地位，论其技法可分为：浮雕、透雕、浮雕与透雕相结合、圆雕等四种。其中，以浮雕手法使用最多，同为浮雕，又会因花纹的突出多少、由浅至高而分多种。一般而言，一幅雕刻作品需要30几把不同的雕刀结合使用才能创作出栩栩如生的图案，至于图案的美感及艺术水准，全在于雕刻师的技术功底。随着数控机械雕刻大规模运用，提高了家具雕刻的效率，但是作为一种传统的艺术形式，只有手工完成的雕刻作品才能包含着雕刻者的思想，表达传统文化的精髓。
1 雕刻技法――实现美的技术活
所谓技法，就是木雕创作中作者对于形象和空间的处理手法。这种手法主要体现在削减意义上的雕与刻，确切地说，就是由外向内，一步步通过减去废料，循序渐进地将形体挖掘显现出来。优美的刀法之所以形成，是技术达到纯熟的表现。
1.1 浮雕
浮雕是在木料上将所要表现的图案形象凸起，雕刻技法上属于“阳文”。浮雕是一种在平面上的浮凸表现，分浅浮雕和高浮雕两种形式，如表现对象的压缩体形凹凸不到圆雕的1/2称为浅浮雕。它接近于绘画，线条较流畅，有清淡、静雅的艺术效果。表现对象的压缩体形凹凸超过圆雕1/2，就称为高浮雕。它接近于雕塑，画面构图丰满，疏密得当，粗细相融，玲珑剔透。浮雕的装饰效果从某种程度上来讲，要胜于其他任何一种木雕表现形式。
1.2 透雕
透雕是将花板底子镂空的一种工艺手法，它通常只雕刻器物的外表面。透雕深受建筑木雕的影响，因为这种雕刻将底子镂空了，能产生一种穿越木质感觉的视觉，具有浮雕的灵秀之气。纯粹意义上的透雕完全用镂弓镂出，在家具中往往用粗犷的纹饰处理。明式椅具中，靠背椅独板上常镂出各类形状的透光，在光束之中展现变化，又不失简洁的主观追求。
1.3 浮雕与透雕相结合
即在红木家具板件上进行浮雕与透雕相结合进行设计，以到雕刻部分图案形象凸起与雕刻部分图案形象镂空的设计效果。
1.4 圆雕
圆雕是一种完全立体的雕刻，前、后、左、右四面都要雕刻出具体的形象来。它实际上是一种具有三维空间艺术感的雕塑艺术，它的形态随着观看视线的移动而不断变更，每个角度皆具备完美的形式感。作品内容多取材于人物、动物、植物，题材以吉祥为主，供人们欣赏为目的。它只用于家具局部，如端头、腿足、柱头等部位。以广式家具最为常见，是清代木雕的主要特征之一。
2 雕刻纹饰――带着历史信息的中国文化符号
中国雕刻艺术起源于新石器时代早期，又从陶器的制作中获得制作动物和人物的造型功能。从古至今，无论经历多少艺术形式的演变，雕刻工艺的魅力从未因岁月的更替而褪色。回归到古典红木家具，雕刻纹饰赋予家具器物的灵与魂并使之带着历史信息和文化寓意。
以下文中所叙述的以明清时期古典红木家具中的纹饰总结分类（明清红木家具是中国红木家具的经典，是中华文化中最珍贵的遗产之一，也是现时很多红木家具生产企业进行仿古红木家具制造的模板）。明清时期古典红木家具中的雕饰图案是我国雕刻艺术的集大成。就雕刻题材而言，大凡山水人物、飞禽走兽、花卉虫鱼、博古器物、喜庆吉祥等无所不包，丰富多彩。
2.1 植物花卉类雕饰图案
其主要纹饰有：卷草纹、牡丹纹、莲花纹、葡萄纹、宝相花、、芙蓉、石榴、海棠、灵芝以及松、竹、梅、兰等。各种植物花卉依其自身特征被赋予了各种品质、气质和寓意，即都寄予了一定的精神内涵，如牡丹的繁荣富丽，梅花的刚健不曲，莲花的清秀廉洁，的幽贞高雅，兰花的朴实无华，翠竹的刚劲挺拔等，这些都增强了明式家具的高雅气质。
2.2 飞禽走兽类雕饰图案
以纹样形象表示，也就是将一些动植物的自然属性、特性等延长并引申，这是吉祥图案中最为常见的手法，最为典型的是龙、凤、麒麟吉祥图案。主要有各种龙凤纹和其它一些鸟兽纹，大都选取人们崇拜喜爱之物，其中龙凤纹尤为突出。龙的形象集中了许多动物的特点，是英勇、权威和尊贵的象征，不仅被民间看作是神圣、吉祥、吉庆之物，更被历代帝王视为皇室御用吉祥图案。常见题材形式主要有螭龙纹、螭虎纹、双龙戏珠纹、云龙纹、拐子龙、草龙以及各种凤纹等。其它鸟兽纹主要有麒麟纹、狮纹、鹿纹、鹤纹、喜鹊纹等。麒麟全身鳞甲，牛尾，狼蹄，龙头，独角，是仁慈和吉祥的象征，同时民间还有“麒麟送子”之说，因而麒麟成为人们心目中极为喜爱的祥瑞吉祥物。
2.3 吉祥主题类雕饰图案
这类图案题材的寓意大都比较雅逸超脱，颇有文儒高士之意趣，更增强了明式家具的高雅气质，主要有方胜、如意、云头、盘长、万字、龟背、曲尺、连环等图案。
2.4 吉祥组合类雕饰图案
这种雕饰图案采用了组合构图的形式，即将不同题材的图案组合在一起，形成一幅具有吉祥寓意的图案。主要有双龙捧寿、凤穿牡丹、喜鹊登梅、六鹤同春、麒麟少师以及福、禄、寿等富有吉祥意义的形象和文字被组织到图案里。
2.5 几何类雕饰图案
主要有一些浮雕或透雕的几何纹以及各种攒接的几何图案，如波纹、灵格纹、回纹、绳纹、什锦纹以及各种几何云纹等。
2.6 故事类吉祥图案
此类构图较为复杂，场面较大，一般用于屏风、门扇和大型柜类上，题材以历史传说、童话故事为主，如八仙过海、群仙祝寿、二十四孝图，以及来自《三国》、《封神》、《红楼》等历史名著里的故事。
2.7 谐音类吉祥图案
中国的方块汉字往往是一个读音对应几个汉字，这便为谐音双关提供了广阔的天地，所以古人常常利用读音的相同和相近来达到一定的修辞效果，表现在家具上是各类谐音吉祥图案的出现和运用。例如，蝙蝠的“蝠”谐音“福”，所以各类以蝙蝠为题材的传统吉祥图案便在家具上被广泛使用，两只蝙蝠围着一个寿字，寓意着福寿双全；“瓶”与“平”谐音，寓意“平安”；“鱼”谐音“余”，是“年年有余”的意思。所以，通过谐音法形成的谐音类吉祥图案在中国传统吉祥图案中占有很大比例。
2.8 其它类雕饰图案
除以上提及的雕饰图案外，这一时期还有山石、人物、流水、村居、楼阁等风景题材较为多见，另外，还有各种各样的仿古纹饰以及西洋纹饰等。
结语
每一件古典红木家具都是有个性、有思想、有灵魂的，这不仅表现在它的骨骼上（整体制作工艺）与珍贵的木材，更表现在它的细节上（雕刻装饰）。今天，可以从古典红木家具中体味中国传统文化之美，我们势必要感谢那些将雕刻艺术活化于红木家具之上的默默工作者――雕刻师。
参考文献
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[2]邱东联编著.明清家具图鉴[M].湖南美术出版社，2004.
[3]严欣，行淑敏，蒲亚锋.中国传统家具植物纹样研究[J].西北林学院学报，2004（03）.
[4]朱丽敏.后现代主义新探――现代室内设计审美及手法[J].室内设计，2004（01）.
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